Centro de Difusión Cultural Raúl Gamboa del IPBA

FICCIÓN VS. DOCUMENTO

FICTION VERSUS DOCUMENT

horario lun - vie • 10 - 14 y 17 - 20 h
sáb • 10 - 14 h
inaguración 7 sep
clausura 28 oct

Esta muestra comprende tres series icónicas de Dulce Pinzón que presentan una perspectiva amplia de su trabajo. Superhéroes aborda el tema de los migrantes mexicanos que radican en New York cuya heroica labor, aunque no sea noticia, es desempeñar un oficio bajo extremas condiciones laborales: largas jornadas de trabajo y salarios bajos, con el fin de ayudar económicamente a sus familias en México. Historias del paraíso es un proyecto realizado en el entonces Museo de Historia Natural de Puebla, donde Pinzón intervino el espacio y los dioramas para sensibilizar, de algún modo, a las personas sobre la devastación del medio ambiente y las condiciones en las que le estamos dejando el planeta a las futuras generaciones. Son imágenes que reflexionan en torno al ciclo de la vida y al daño ambiental ocasionado por los seres humanos. The Wonderful Life of Andy es una serie documental-ficcional alrededor de la maravillosa vida de Andy, una joven mujer contemporánea que vive apasionadamente con el espíritu de la década de 1950.

This exhibition is comprised of three iconic series by Dulce Pinzón that present a broad panorama of her work. Superheroes addresses the theme Mexican migrants that reside in New York whose heroic work, while not newsworthy, is to provide their service in extreme working conditions: long hours and low salaries, in order to provide economic aid to their families in Mexico. Stories from Paradise is a project that was created at the then Museo de Historia Natural de Puebla, where Pinzón intervened the space and dioramas to generate awareness about the devastation of the environment and the conditions that we are leaving the planet in for future generations. They are images that reflect on the cycle of life and the environmental damage occasioned by humans. The Wonderful Life of Andy is a documentary-fictional series about the marvelous life of Andy, a young contemporary woman that passionately lives in the spirit of the 1950s.

© Dulce Pinzón



Museo de Arte Moderno

GARRY WINOGRAND, WOMEN ARE BEAUTIFUL. COLECCIÓN LOLA GARRIDO

GARRY WINOGRAND, WOMEN ARE BEAUTIFUL. LOLA GARRIDO COLLECTION

curadores | curators Anne Morin/ diChroma/ MAM
horario mar - dom • 10.15 - 17.30 h
inaguración 9 sep
clausura 21 ene

El fotógrafo de prensa y publicidad Garry Winogrand (1928-1984) es considerado el pionero de la fotografía callejera, un género a medio camino entre lo documental y lo poé- tico que desde la década de 1950 combina nociones específicas: el encuentro fortuito, el modelo improvisado y anónimo, la gracia de la foto instantánea, además del gusto por la escena espontánea y la belleza casual. El portafolio Women are Beautiful, publicado en 1975, ofrece un testimonio “en caliente” del tráfago de la vida cotidiana de mujeres desconocidas en la megalópolis. Con una cámara de 35mm y un lente de gran angular, las transeúntes desprevenidas son captadas andando por la acera, un parque, un museo, un centro comercial o en una marcha de protesta, en imágenes que parecen surgidas del puro azar pero que revelan una mirada llena de simpatía, humor cándido y, en ocasiones, de ironía. Esta crónica visual de la cultura urbana y del Women’s Lib nos hace recobrar la atmósfera vibrante de las décadas de 1960 y 1970 en una secuencia de 85 impresiones vintage de sorprendente calidad estética y dimensión sociológica.

The reporter and commercial photographer Garry Winogrand (1928-1984) is considered a pioneer of street photography, a genre that is part documentary and part poetic in nature, which joins certain attributes since the 1950s: the fortuitous encounter, the improvised and anonymous model, and the grace of the snapshot, as well as a penchant for spontaneous scenes and casual beauty. The portfolio Women are Beautiful, published in 1975, offers an expeditious testimony of the bustling daily lives of unknown women in the megalopolis. With a 35mm camera and a wide angle lens, the unsuspecting passerbyers are captured in images as if by pure chance walking along sidewalks, in parks, museums, shopping centers, or in political protests, while revealing a perspective full of sympathy, candid humor, and at times irony. This visual account of urban culture and the Women’s lib movement enables us to perceive the vibrant atmosphere of the 1960s and 1970s in a sequence of 85 vintage prints that have a remarkable aesthetic quality and sociological dimension.

© Garry Winogrand



Galería José María Velasco

ZAPATERO ¡A TUS CÁMARAS! JESÚS MAGAÑA, OBRA A COLOR

ZAPATERO, TO YOUR CAMERAS! JESÚS MAGAÑA, WORK IN COLOR

curador | curator Alfredo Matus
horario mar - dom • 9 - 18 h
mié • 9 - 20 h
inaguración 9 sep
clausura 29 oct

Selección antológica del trabajo de este peculiar fotógrafo mexicano, que con sus imá- genes contribuyó de forma relevante a la configuración de un mundo de sofisticación y seducción visual de una época. A lo largo de su carrera colaboró con una inmensa gama de publicaciones nacionales, como Cine Mundial, México Cinema y Cinelandia, realizando el registro puntual de aquellas figuras del mundo del espectáculo y del deporte que signi- ficaron modelos aspiracionales para toda una generación en las décadas de 1960 y 1970.

An anthological selection of this unique Mexican photographer who made a relevant contribution to the formation of a world of visual sophistication and seduction of an era through his images. During his career he collaborated with an immense range of national publications, including Cine Mundial, México Cinema, and Cinelandia, undertaking the specific coverage of those figures in the world of entertainment and sport that were role models for an entire generation between 1960s and 1970s.

© Jesús Magaña



Patricia Conde Galería

INTERROGAR LO HABITUAL

INTERROGATE THE USUAL

curador | curator Patricia Conde Galería
horario lun - vie • 10:30 - 18 h
vie y sáb • 11 - 16 h
inaguración 4 oct
clausura 11 nov

Si nombrar el mundo es una empresa difícil, intentar catalogarlo, ordenarlo, se convierte en una utopía. Es por ello que Interrogar lo habitual propone una maquinaria que recrea inventarios. Un artefacto para hacer saltar correspondencias poéticas y evocar analogías. Un juego en donde todo orden prescribe inmediatamente después de ser proclamado. Un archivo cuyas taxonomías se reinventan constantemente. Patricia Lagarde presenta una retrospectiva del trabajo editorial que inició hace ya más de dos décadas, inscribiendo sus fotografías en libros de artista. La muestra reúne, además, una serie de piezas en diálogo con los libros: postales, mapas, archivos y múltiples artefactos que enfatizan el discurso, marcando, jerarquizando, ocultando y haciendo evidente la vocación polisémica de los objetos. Interrogar lo habitual es una tentativa de renegociar el orden de las cosas, de subvertirlo para construir nuevas metáforas utilizando y reciclando todo aquello que ya existe para mirarlo con otros ojos que nos revelen el espectro, el lado invisible de la existencia.

If naming the world is a difficult enterprise, trying to catalog it, to order it, becomes a utopia. That is why Interrogate the Usual proposes a machinery that recreates inventories, an artifact to point poetic correspondences and evoke analogies. A game where all order prescribes immediately after being proclaimed. A file whose taxonomies are constantly reinventing themselves. Patricia Lagarde shows a retrospective of her editorial work that began more than two decades ago, by inscribing her photographs in artist’s books. The exhibition also includes a series of pieces in dialogue with the books: postcards, maps, archives and multiple artifacts that emphasize speech, hiding and making evident the polysemic vocation of objects. Interrogate the Usual, is an attempt to renegotiate the order of things, to subvert it to construct new metaphors using and recycling everything that already exists, to look at it with other eyes that reveal the spectrum, the invisible side of existence.

© Patricia Lagarde



Instituto Cultural de México en París

HEREAFTER

HEREAFTER

curador | curator Laura González
horario lun - vie • 10 - 13 y 14.30 - 18 h
sáb • 15 - 19 h
inaguración 6 oct
clausura 27 ene

Aparentemente ajenos a la guerra, vivimos expuestos a ella a través de su rastro: el del gesto afectado y la mirada expresiva de quienes la han sobrevivido, o el de la violencia y destrucción real que los medios convierten en una superficie imaginaria y reiterativa. ¿Cómo integrar la conciencia de esa violencia-de-allá, pasada, a nuestra batalla-deaquí, presente y rutinaria? Alinka Echeverría y Pía Elizondo dirigen su mirada hacia aquello que la cultura hegemónica y democrática occidental oculta, reprime y exorciza. Mientras que Echeverría realiza una serie de retratos durante la independencia de Sudán del Sur en 2011, en los que se manifiesta la incierta y compleja reconfiguración identitaria de sus ciudadanos, Elizondo reelabora un imaginario fascinante y paradójico –tan sublime como siniestro– del registro videográfico de la toma de Aleppo, que se emitió reiteradamente en las primeras semanas de 2017 a través de la televisión y las redes sociales francesas. En ambos casos, es más allá de la superficie de la imagen –de la pantalla– donde la fotografía abre un territorio fértil para construir una respuesta afectiva a la violencia real.

Apparently untouched by war, we live exposed to it by the marks it leaves: by the affected faces and expressive eyes of survivors, or by the real violence and destruction converted by the media into an imaginative and reiterative space. How can the awareness of this violence-from-there from the past be assimilated with our battle-from-here that is present and routine? Alinka Echeverría and Pía Elizondo direct their eyes to the very issues that the hegemonic and democratic Occidental society conceals, represses and exorcizes. While Echeverría presents a series of portraits taken during the South Sudan independence in 2011 that reveals the uncertain and complex identity reconfiguration of its citizens, Elizondo has composed a fascinating and paradoxical imagery—as sublime as sinister—from the video-graphic coverage of the Aleppo takeover that was aired repeatedly during the first weeks of 2017 on French television and in social media. In both cases, it is beyond the surface of the image—of the screen—where photography opens a fertile territory to construct an empathetic response to real violence.

© Alinka Echeverría y Pía Elizondo



Página en blando

MANIPULAR CON CUIDADO: CUERPO-CONTEMPORÁNEO-FOTOGRAFÍA

HANDLE WITH CARE: BODY-CONTEMPORARY-PHOTOGRAPHY

curador | curator Juan Antonio Molina
horario vie • 18 - 22 h
sáb • 13 - 18 h
dom • 11 - 16 h
inaguración 6 oct
clausura 29 oct

Manipular con cuidado es un ciclo de exposiciones que transcurrirá a lo largo de un mes, con la participación de seis autores de seis países latinoamericanos: Juan Carlos Alom (Cuba), Eustáquio Neves (Brasil), Nelson Garrido (Venezuela), Carol Espíndola (México), Adriana Mosquera (Colombia) y Julia Murillo (Costa Rica). El tema común es el uso de representaciones del cuerpo para producir narrativas alrededor de la sexualidad, la política, la violencia, la construcción de identidades, lo doméstico, lo urbano o el espacio, entre otras posibilidades. “Manipular con cuidado” es el tipo de advertencias que se colocan en las cajas cuando su contenido es frágil. Con ese doble sentido juega el título del proyecto: un contenido frágil (los conceptos de cuerpo, fotografía y contemporaneidad, así como la manera en que se afectan mutuamente) y una tendencia a la manipulación de los signos y, sobre todo, de los significados. La combinación entre procesos de resignificación del cuerpo y de redefinición de lo fotográfico será aquí una de las claves para identificar estas prácticas como “contemporáneas”.

Handle with Care is a series of exhibitions that will take place during one month, which includes the participation of six artists from six Latin-American countries: Juan Carlos Alom (Cuba), Eustáquio Neves (Brazil), Nelson Garrido (Venezuela), Carol Espíndola (Mexico), Adriana Mosquera (Colombia), and Julia Murillo (Costa Rica). The common theme of these exhibitions is the use of representations of the body to create narratives regarding sexuality, politics, violence, the construction of identities, the domestic, the urban, and of space, among other possibilities. “Handle with care” is the sort of warning put on boxes containing fragile objects. The title of the project plays with the double meaning: a fragile content (concepts involving the body, photography, and contemporary, as well as the way in which they mutually affect each other), and a tendency towards the manipulation of signs, and above all, their meanings. The combination of processes that involve giving new meanings to the body and the redefinition of the photographic will be one of the keys here in identifying these practices as “contemporary.”

© Colectiva | Collective



Luz Gráfika

LA TIERRA PROHIBIDA DE TERRY HOLIDAY

THE FORBIDDEN LAND OF TERRY HOLIDAY

curadores | curators Tania Sanabria y Violeta Sanabria
horario mar - vie • 12 - 15 y 16 - 19.30 h
sáb • 12 - 19.30 h
inaguración 12 oct
clausura 16 nov

A principios de la década de 1970, la escena artística mexicana vio nacer un sinfín de grupos artísticos. Uno de estos fue Peyote y la Compañía, el cual experimentó los temas de actualidad: travestis, sexualidades alternativas, uso del condón, punks, etcétera. En 1979 dos de sus miembros –Adolfo Patiño y Terry Holiday– realizaron la serie de fotografías titulada La tierra prohibida de Terry Holiday, una colaboración entre fotógrafo y modelo en la que ambos conservan su individualidad como artistas y creadores de un personaje. Las más de 50 fotografías que Adolfo Patiño le tomó a Terry Holiday son un testimonio visual de la escena underground de la Ciudad de México. Cada imagen es parte de una balada visual en la que Terry nos demuestra que se puede ser mujer por decisión propia. Una idea de independencia y libertad que rompió con el silencio que existía en torno a las sexualidades alternativas en la década de 1970.

In the early 1970s, the art scene saw the birth of an abundance of artistic groups. Among them was Peyote y la Compañía (Peyote and the Company), that experimented with current topics: travesties, alternative sexuality, the use of condoms, punks, etc. In 1979 two of its members—Adolfo Patiño and Terry Holiday—created a series of photographs titled The Forbidden Land of Terry Holiday, a collaboration between photographer and model in which both conserve their individuality as artists and creators of a character. Over 50 photographs of Terry Holiday taken by Adolfo Patiño serve as a visual testament to the underground scene in Mexico City. Each image is part of a visual ballad in which Terry reveals that she can be a woman by personal decision. An idea of independence and liberty that broke the silence that existed around alternative sexualities in the 1970s

© Adolfo Patiño



Galería Resplandor

MIRAR DENTRO

LOOK INSIDE

curador | curator Iván Ruiz
horario lun - sáb • 10 - 14 y 17 - 20 h
inaguración 14 oct
clausura 13 ene

Con un marcado brío, Galería Resplandor se ha dedicado a fomentar la migración fotográfica tanto en América Latina como en Europa y Estados Unidos. Fruto de este breve, pero intenso trabajo de gestión fotográfica, es el acervo con el que ahora cuenta y sobre el cual se realizó un ensayo curatorial para celebrar su segundo aniversario. Mirar dentro propone una constelación de retratos y paisajes elaborados por doce fotógrafos de diferentes nacionalidades y generaciones. Los entornos paisajísticos de Javier Aravena, Aarón Cadena, César Feria, Nadja Massun y Karina Juárez exploran la naturaleza y la urbe a partir de un señalamiento puntual sobre el abandono, la destrucción y la melancolía. Dos procesos y un estado de ánimo que transforman al paisaje en un espacio de contemplación interna. Por su parte, los retratos de Paz Errázuriz, James Gritz, Pedro Miranda, Mauricio Palos, Judith Romero, Mauricio Toro-Goya y Pedro Valtierra rastrean diferentes posibilidades expresivas del retrato para acentuar la fuerza psicológica de sus personajes y sus entornos de vida cotidiana.

With momentous energy, Galería Resplandor has been dedicated to promoting photographic migration in Latin America, as well as Europe and the United States. Fruit of this brief, but intense, work in photography management is this archive that now exists and is subject of a cultural essay created to celebrate its second anniversary. Look Inside proposes a constellation of portraits and landscapes created by twelve photographers of different nationalities and generations. The landscapes by Javier Aravena, Aarón Cadena, César Feria, Nadja Massun, and Karina Juárez explore nature and large cities with a punctual commentary about abandonment, destruction, and melancholy. The two processes and a mood transform the landscapes into spaces for introspective contemplation. Whereas, the portraits by Paz Errázuriz, James Gritz, Pedro Miranda, Mauricio Palos, Judith Romero, Mauricio Toro-Goya, and Pedro Valtierra signal the different expressive possibilities of portraiture to accentuate the psychological strength of the individuals and their quotidian surroundings.

© Colectiva | Collective



Museo de Arte Moderno

LA PARTE MÁS BELLA. COLECCIÓN PEDRO SLIM

THE MOST BEAUTIFUL PART

curador | curator James Oles
horario mar - dom • 10.15 - 17.30 h
inaguración 19 oct
clausura 11 mar

La parte más bella presenta más de cien fotografías en blanco y negro del cuerpo humano, de la autoría de 64 artistas entre los que se encuentran Manuel Álvarez Bravo, Diane Arbus, Bill Brandt, Larry Clark, Nan Goldin, Robert Mapplethorpe, Man Ray, Francisco Toledo y David Wojnarowicz. Las imágenes pertenecen a la colección del fotógrafo Pedro Slim, quien en las últimas dos décadas las fue seleccionando cuidadosamente. De inigualable valor, la colección se distingue por una temática precisa y por su alcance internacional. Será exhibida en México por primera vez. La muestra reúne iconos de la fotografía del siglo XX, piezas poco conocidas, así como obras históricas y contemporáneas que revelan la sensibilidad del coleccionista. Se articula de acuerdo a los temas que predominan en la colección: desde composiciones estilizadas de estudio hasta impresiones experimentales y descripciones crudas y violentas de la vida en Nueva York durante la década de 1980. Las imágenes muestran el placer por la forma humana en toda su elegancia, erotismo y vulnerabilidad.

The Most Beautiful Part presents more than one hundred black and white photographs of the human body by 64 artists, among them Manuel Álvarez Bravo, Diane Arbus, Bill Brandt, Larry Clark, Nan Goldin, Robert Mapplethorpe, Man Ray, Francisco Toledo and David Wojnarowicz. The images belong to the photography collection of Pedro Slim, who has carefully chosen the pieces during the past two decades. Of incomparable value, the collection stands out because of its specific subject matter and for its international scope. It will be exhibited in Mexico for the first time. The exhibition brings together icons of 20th-century photography, little-known works, as well as historic and contemporary pieces that reflect the sensitivity of the collector. It is organized by the topics that prevail in the collection, from stylized studio compositions to experimental prints or the crude and violent descriptions of life in New York during the 1980s. The images reveal a pleasure for the human form in all of its elegance, erotism, and vulnerability.

© Colectiva | Collective



Museo Amparo

ESTRUCTURAS DE IDENTIDAD: FOTOGRAFÍA DE LA COLECCIÓN WALTHER

STRUCTURES OF IDENTITY: PHOTOGRAPHY FROM THE WALTHER COLLECTION

curador | curator Simon Njami
horario mié - lun • 10 - 18 h
sáb • 10 - 21 h
inaguración 21 oct
clausura 5 feb

A través de diversas culturas y periodos históricos, los fotógrafos han utilizado el retrato para afirmar o desafiar los estereotipos sociales construidos alrededor de nociones de raza, género, clase y nacionalidad. Estructuras de identidad visualiza los factores polí- ticos y culturales que dan forma a las subjetividades individuales y colectivas, con un enfoque particular en la relación entre la autorrepresentación y la identidad social. Enfatizando el trabajo de los artistas que usan el retrato para subvertir las expectativas visuales y oponerse a los marcadores de identificación, la exposición cuestiona las nociones de un yo estable y auténtico, y muestra cómo algunos fotógrafos han aprovechado el poder del retrato para explorar nociones cambiantes de género y sexualidad, raza y etnia. Destaca también las diferentes formas en que la subjetividad y la identidad social son moldeadas y consideradas dentro de la historia de la fotografía, e ilustra los esfuerzos de la Colección Walther para discutir y pensar ésta más allá de las fronteras convencionales temporales, culturales y geográficas. *Está muestra se exhibirá en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey en 2018.

Across diverse cultures and historical periods, photographers have used portraiture to confirm and challenge social stereotypes founded on notions of race, gender, class, and nationality. Structures of Identity presents the political and cultural factors that shape individual and collective subjectivities, with a special focus on the relationship between self-representation and social identity. By emphasizing the work of artists that use portraits to subvert visual expectations and oppose indicators of identification, the exhibition questions notions of a stable and authentic self, and reveals how some photographers have utilized the power of portraiture to explore changing ideas about gender and sexuality, race and ethnic groups. Also of note are the different ways in which subjectivity and social identity are modeled and considered within the history of photography, and the exhibition reveals the efforts of The Walther Collection to discuss and think about these issues beyond the conventional, temporary, cultural and geographic boundaries. *This exhibition will be shown in the Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey in 2018.

© Colectiva | Collective



Centro de la Imagen

CODEX, MÉXICO 1986-2016

CODEX, MEXICO 1986-2016

curador | curator Tania Bohórquez
Curadora Adjunta | Associate Curator Allegra Cordero di Montezemolo
Gráfica | Graphics Pakito Bolino / Le Dernier Cri
horario mié - dom • 10 - 19 h
inaguración 24 oct
clausura 18 mar

Las fotografías de Codex destacan por su inmediata, casi brutal visión de la sociedad tomada por una espiral de violencia. Al repasar la violencia de una cultura, a través de la degeneración y paroxismo de la carne, el fotógrafo intenta revelar fragmentos de la sociedad que escapan del análisis acostumbrado y la visualización del cuerpo social. Se expone a sí mismo, agudiza su conciencia de un mundo que absorbe y del cual se alimenta, sin la menor precaución o juicio. Distanciándose del estilo de la fotografía documental directa, Antoine d’Agata registra sus vivencias y experiencias a raíz de las situaciones que atestigua. Al transgredir la frontera que separa al sujeto del fotógrafo, él mismo se convierte en objeto de sus imágenes, un actor forzado de su propio escenario premeditado. Solamente el amalgama de cuerpos yace más allá del alcance de la historia, en lenta agonía, bajo el sello de la conciencia e ironía, custodiando la muerte y viviendo hacia una visión amorosa del mundo. El fotógrafo lo confronta en su desesperanza y brutalidad, feroz miseria y abyección.

The photographs in Codex stand out for their overt, almost brutal depiction of a society overrun by a spiral of violence. In reviewing the violence of a culture through the degeneration and paroxysm of the flesh, the photographer attempts to reveal fragments of society overlooked in habitual analyses and visualizations of the social body. He exposes himself, sharpening his awareness of the world that absorbs us and from which we feed, without the slightest precaution or judgment. Detached from a direct documentary style, Antoine d’Agata relays his personal experiences through situations that bare them witness. By transgressing the boundary that separates the photographic subject, he himself becomes the object of his images, an obliging actor in his own premeditated scene. Only the fusion of bodies lay beyond the reach of history, in slow agony with the hallmark of the consciousness and irony, watching over death and living for a vision of a loving world. The photographer confronts it with desperation and brutality, ferocious misery and abomination.

© Antoine d’Agata



Centro de la Imagen

DOS ENSAYOS: SOBRE LA RESISTENCIA DE LOS CUERPOS / NUEVA ERA

TWO ESSAYS: NOTES ON THE BODIES’ RESISTANCE AND NEW ERA

curador | curator Itala Schmelz
Curadora Adjunta | Associate Curator Allegra Cordero di Montezemolo
horario mié - dom • 10 - 19 h
inaguración 24 oct
clausura 18 mar

Cuerpos humanos, máquinas, autopartes, accidentes, objetos que denotan violencia, cuadros místicos, falsos profetas, sectas, animales, números fatídicos, situaciones enrarecidas y paisajes en cenizas, todo ello bajo un montaje que despliega a dos tiempos los ensayos visuales más recientes del fotógrafo José Luis Cuevas: Sobre la resistencia de los cuerpos y Nueva Era. Proyectos cuyos recursos simbólicos formulan una serie de observaciones en torno al hombre, en sus latitudes tangible en intangible. Una aproximación al ser humano como materia vulnerable, espiritualmente endeble, de cuerpo efímero.

Human bodies, machines, auto parts, accidents, objects that denote violence, mystic pictures, false prophets, cults, animals, fateful numbers, peculiar situations and landscapes in ashes, are all the embodiment of an installation that unfolds, in two most instances, the most recent visual essays of a photographer Jose Luis Cuevas: Notes on the Bodies’ Resistance and New Era. These Projects’ symbolic resources offer a series of observations about mankind in its tangible and intangible latitudes. It is an approximation that shows humans as vulnerable material, spiritually unstable and ephemeral bodies.

© José Luis Cuevas



Sala de Arte Público Siqueiros

RICARDO NICOLAYEVSKY DENTRO Y FUERA DE CUADRO

RICARDO NICOLAYEVSKY INSIDE AND OUTSIDE OF THE FRAME

curador | curator Michele Fiedler
horario mar - dom • 10 - 18 h
inaguración 29 nov

Esta primera exposición retrospectiva del cineasta, músico y artista experimental mexicano Ricardo Nicolayevsky integra el trabajo que ha generado desde la década de 1980 hasta la actualidad, incluyendo la comisión de nuevos performances. Sus filmaciones se distinguen por un lenguaje visual onírico que registra de manera afectiva, no narrativa, imágenes en movimiento de sus amigos de las escenas artística y musical. Se presenta una serie de autorretratos tomados en distintos momentos de su vida, filmes experimentales y animaciones, así como la serie Lost Portraits (Retratos perdidos) que reúne una colección de estampas fílmicas realizadas entre 1982 y 1985. La documentación de este bohemio grupo de personas, denominado por Nicolayevsky como una generación perdida, ya sea por no seguir las normativas de vida social o por no sobrevivir a los años ochenta ni a la dispersión del virus del VIH, se posiciona como un importante bastión de la autorrepresentación de los cuerpos y sexualidades LGBTQ, y sus asociaciones con la escena post-punk mexicana y neoyorquina.

This first retrospective exhibition by the Mexican filmmaker, musician, and experimental artist Ricardo Nicolayevsky is comprised of works generated since the 1980s until the present, including a commission of new performances. His filmic style is distinguished by a dreamlike visual language that portrays in a nonnarrative, heartfelt way, moving images of his friends from artistic and musical circles. The exhibition presents a sequence of self-portraits taken at different times in his life, experimental films, and animations, as well as the series Lost Portraits which brings together a collection of film clips created between 1982 and 1985. The documentation of this bohemian group of people, referred to by Nicolayevsky as a lost generation either because did not follow social norms or were unable to survive the 1980s and the spread of the HIV virus, is considered an important bastion for the selfrepresentation of LGBTQ bodies and sexualities, as well as their association with the Mexican and New Yorker post-punk scene.

© Ricardo Nicolayevsky



Museo Arocena

CONSAGRADAS. LAS MONJAS DE clausura EN EL SIGLO XXI
FOTOGRAFÍAS DE MARCELA TABOADA

CONSECRATED. CLOISTER NUNS OF THE 21ST CENTURY
PHOTOGRAPHS BY MARCELA TABOADA

curador | curator Emma Cecilia García Krinsky
horario mar - dom • 10 - 18 h
jue • 10 - 20 h
inaguración 26 oct
clausura 5 feb

Más allá de los ojos profanos Si bien sabemos bastante acerca de monjas tan ilustres como Sor Juana Inés de la Cruz o Santa Teresa de Ávila, en cambio, poco conocemos de la vida de las monjas anónimas, y menos aún de las del siglo XXI. ¿Cómo viven detrás de los muros de los conventos? ¿A qué dedican sus horas y sus oraciones? El estudio de Marcela Taboada muestra lo invisible y lo prohibido a los ojos profanos, a través de imágenes que sólo existen gracias a la colaboración de las monjas poblanas con su proyecto. El suyo fue un trabajo prolongado y prolijo, que curiosamente mezcla la osadía del voyeur con el respeto por estas mujeres apartadas de la mirada ajena. Sus fotografías resaltan, a un tiempo, la plasticidad de los conventos, la belleza de una ciudad rebosante de colores encendidos y la aspereza del trabajo cotidiano, duro, casi viril que cumplen estas mujeres para vivir. Contrariamente a lo que puede creerse, la vida en los conventos también incluye alegría, juego y hasta travesuras que el Señor perdonaría sin vacilación. | Fabienne Bradu

Beyond profane eyes While much may be said about illustrious nuns such as Sister Juana Inés de la Cruz or Saint Teresa de Ávila, we know little about the lives of the anonymous nuns, and even less so in the 21st century. How is life behind the convent walls? What do they dedicate their and prayers to? The exploration presented by Marcela Taboada reveals what is invisible and prohibited to profane eyes with images that were only made possible thanks to the collaboration of nuns in Puebla for this project. Hers was a prolonged and exhaustive undertaking, which curiously mixes the audacity of a voyeur with respect for these women isolated from strangers’ eyes. Her photographs emphasize at the same time the plasticity of the convents, the beauty of a city brimming with bright colors, and the hardships of the almost virile daily work that these women endure in order. Contrary to what one might believe, life in the convent also embraces joy, play, and even mischief that the Lord without hesitation will forgive. | Fabienne Bradu

© Marcela Taboada



Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca

OTRAS MUJERES

OTHER WOMEN

curador | curator Riánsares Lozano de la Pola
horario mié - lun • 10.30 - 20 h
inaguración 10 nov
clausura 11 ene

Este proyecto surge de la necesidad de entender y visibilizar el hecho de que algunas mujeres no se atrevan a hablar de manera abierta sobre el derecho de decidir libremente a no ser madres. ¿Por qué esto se convierte en un tema tan difícil de compartir? ¿Qué experiencias e implicaciones sociales y políticas conlleva? A la edad de 34 años, decidí no tener hijos. No quise que el reloj biológico tomara la decisión por mí, elegí ser consciente de lo que implicaba no ser madre. No fue fácil romper con los mitos, miedos y estereotipos; tampoco lo fue enfrentar prejuicios y reproches. De esta profunda experiencia nace la idea de conocer, explorar y mostrar las dificultades e interrogantes de otras mujeres mayores de 35 años que, a pesar del mandato social y la presión cultural y religiosa, han decidido no tener hijos. En este proceso de desnaturalización de estereotipos he fotografiado y entrevistado a mujeres procedentes de diversos contextos socioeconómicos, geográficos y sexuales. Con ellas me he sumergido en el terreno íntimo de sus vidas y decisiones, registrando sus rostros, espacios y anhelos.

This project arises from the necessity to understand and make visible the fact that some women do not dare to openly speak about the right to choose not to be mothers. Why has this become such a difficult topic to talk about? What experiences and sociopolitical implications does it entail? At the age of 34, I decided not to have children. I didn’t want my biological clock to decide for me, so I chose to be conscious of what it means not to be a mother. It has not been easy to detach myself from the myths, fears, and stereotypes, nor face the cultural prejudices and social reproaches. From this profound experience, came the idea of recognizing examining, and showing the ambivalent experience of other women (35 years and older), who in spite of the culturally assigned gender roles, social and religious pressure, have decided not to have children. Keeping in mind the importance of denaturalization of stereotypes I have photographed and interviewed women coming from different socioeconomic and geographic settings and representig various gender identities. I have been able to explore the intimate areas of their lives and decision-making, recording their faces, spaces, and desires.

© Judith Romero



Myl Arte Contemporáneo

RAÍZ ROTA – LA CASA QUE SANGRA

BROKEN ROOTS – THE HOUSE THAT BLEEDS

curador | curator Manuel Loaiza
horario lun - vie • 10 - 18 h
sáb • 10 - 13 h
inaguración 16 nov
clausura 17 feb

Raíz rota – La casa que sangra contiene, como un impulso existencial y creativo, la experiencia de quienes sufren una pérdida. En esta muestra Yael Martínez da cuenta tanto del acto del poder infame que ocluye la vida singular de la víctima como de aquella violencia que se ejerce sobre sus deudos. Doble significación, doble vivencia, se ponen en juego en este trabajo emblemático. Por un lado, documentar la manera en que el dolor se reproduce y, por el otro, mostrarse como una tentativa para emancipar a las víctimas y a quienes los esperan, a través de una sensible rememoración. | Diego Lizarazo Arias

Broken Roots – The House that Bleeds conveys, through an existential and creative impulse, the experience of those who suffer a loss. In this exhibition, Yael Martínez addresses the despicable act of power that occludes the sole life of the victim, as well as the violence that it imposes on its relatives. The double meaning, the double experience, come into play in this emblematic artwork. On hand, it documents the way in which pain transpires, and on the other hand, it comes forth as an attempt to emancipate the victims and those who wait for them through an sensitive remembrance. | Diego Lizarazo Arias

© Yael Martínez



Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo

ÉSTE ES MI CUERPO

THIS IS MY BODY

curador | curator Josué Martínez
horario dom - lun • 9.30 - 20 h
inaguración 20 ene

El cuerpo es nuestra parte visible, lo tangible. En él se contienen y se manifiestan nuestros afectos y emociones. Me interesa hablar del cuerpo, de su fragilidad y vulnerabilidad, de cómo, al igual que el amor y el deseo, está expuesto al paso del tiempo y a la muerte. Considero que la sexualidad es una de las expresiones más íntimas y transgresivas del cuerpo. Encuentro en el proceso fotográfico análogo, en el revelado específicamente, una manera de expresar lo que quiero decir acerca del cuerpo y mi sexualidad. El revelado es el momento en que aquello que permanece oculto, latente, se hace visible, sale de su silencio. Presento esta pieza como un homenaje a Félix González Torres, Robert Mapplethorpe y Hervé Guibert, quienes con su experiencia personal, su postura estética y política acerca de la sexualidad, la diversidad e intimidad queer, me han permitido, desde mi proceso formativo hasta ahora, desarrollar conceptos, entender las emociones, pero sobre todo de enriquecer mi mirada.

The body is the part of us that is visible, tangible. In it, our affections and emotions are contained and manifested. I am interested in speaking about the body, its fragility, and venerability, about how it is exposed, like love and desire, to the passage of time and death. I consider sexuality to be one of the most intimate and transgressive corporal expressions. I find that the analog photographic process, and in particular developing film, is a way of expressing what I want to say about my body and my sexuality. Film developing is the moment in which what is concealed but latent becomes visible, comes out of its silence. I present this piece as a tribute to Félix González Torres, Robert Mapplethorpe and Hervé Guibert, who through their personal experience, their aesthetic and political stance about sexuality, diversity and queer intimacy, have enabled me from my artistic training until now, to develop concepts, understand emotions, and above all, enrich my eye.

© Javier León



ALMANAQUE FOTOGRÁFICA

POLVO

DUST

curadores | curators Arturo Delgado y Aurélie Vandewynckele
horario mar - vie • 11 - 18 h
sáb • 11 - 16 h
inaguración oct

Fragmento de sus extensas imágenes, Polvo es un acercamiento lateral y no cronológico a las latitudes de la obra de José Luis Cuevas (1973), que se nutre de una materia: el hombre y sus rastros en lo animado e inanimado. Testigo de la construcción del todo a partir de la visión humana, Cuevas presenta una extensión de sí mismo a través de las imágenes que se esparcen como nuestras excentricidades en la búsqueda del más allá. Los fragmentos que captura custodian un mundo liberado de sus escorias, donde la trascendencia queda incierta. Así, el fotógrafo compone una purificación de lo sórdido en sujetos y objetos de un universo más extenso, amenazado a convertirse en ceniza. Más que proponer un conjunto de unidades de armoniosa belleza, estamos frente a la fragmentación indispensable que se resiste a la representación. La visión extendida del todo, según Cuevas, se elabora en el encuadre de las partes. La mirada deriva de extremidades a maquinaciones que devienen en órganos o vestigios, como preguntándonos de qué estamos hechos.

A fragment of his extensive imagery, Dust is a lateral and non-chronological approximation to the latitudes of the work by José Luis Cuevas (1973), which stems from one topic: man and the traces he leaves in the animated and inanimate world. Witness to the construction of a whole based on the human vision, Cuevas presents an extension of himself through the images that become known like our own eccentricities in search of the afterlife. The fragments that he captures withhold the world liberated from its scoria, where transcendence remains uncertain. The photographer, therefore, composes a purification of the sordid in subjects and objects belonging to a more extensive universe, threatened to become ash. Beyond proposing a group of units of harmonic beauty, we are faced with the necessary fragmentation that resists representation. The extended vision of everything, according to Cuevas, is achieved through the framing of its parts. The gaze proceeds from extremities to schemes that become organs or remains, as if asking us what we are made of.

© José Luis Cuevas