FOMENTO CULTURAL BANAMEX.

FLOR GARDUÑO. LA CONSTRUCCIÓN DEL INSTANTE

FLOR GARDUÑO. THE INSTANT CONSTRUCTION

horario lun - vie • 9 - 18 h
sáb - dom • 10 - 18 h (Cambios sin previo aviso)
inaguración 20 jul
clausura 22 oct

Flor Garduño colecciona objetos: la mujer sirena, luchadores enmascarados, antiguas estampas populares, ojos de vidrio en diferentes coloraciones, dientes humanos, manos de madera, ex votos de orejas, pechos y piernas, en cera o en plata; todo tipo de bichos, frutas y verduras disecados; conchas marinas, nidos de ave, porcelanas, máscaras, botones, que a manera de las antiguas cámaras de las maravillas se apiñan en las vitrinas o en los muros de la casa, y que en algún momento formarán parte de sus fotografías. Al despuntar la década de 1990, Garduño inició una especie de viaje a través de su cuarto para entremezclar en sus imágenes este extraño repertorio de objetos rescatados de los mercados de viejo, o tomados de la naturaleza. De este modo, se introdujo en el territorio de la fotografía construida. Aunque lo que la particulariza frente a sus coetáneos, es el rigor de oficio al imprimir tanto en el cuarto oscuro como en el laboratorio digital. Sin tratarse de una retrospectiva, esta exhibición intenta dar cuenta de las diversas vertientes asumidas por esta fotógrafa. | Francisco Reyes Palma

Flor Garduño collects objects: a mermaid, masked wrestlers, old popular stamps, glass eyes with different colourings, human teeth, wooden hands, ex-votos of ears, chests and legs made of wax and silver, an array of dried bugs, fruits and vegetables, sea shells, birds’ nests, porcelain pieces, masks, and buttons, which like the old cabinets of curiosities, crowd the shelves of the house and at some point form part of her photographs. At the onset of the 1990s, Garduño embarked on of journey of sorts through her room, combining in her images this strange repertoire of objects recovered from antique markets and found in nature. Consequentially, she introduced herself into the territory of constructed photography. What makes her work stand out from among contemporaries, however, is the rigor of her craft while printing both in the dark room as well as the digital laboratory. While not a retrospective, this exhibition aims to account for the diverse aspects undertaken by this photographer. | Francisco Reyes Palma

© Flor Garduño



MUSEO CASA ESTUDIO DIEGO RIVERA.

CRISTINA KAHLO. LO CONCRETO. FOTOGRAFÍA ARQUITECTÓNICA Y ABSTRACTA

CRISTINA KAHLO. CONCRETE. ARCHITECTURAL AND ABSTRACT PHOTOGRAPHY

curador | curator Javier Roque Vázquez Juárez
horario mar - dom • 10 - 17.30 h
inaguración 27 jul
clausura 29 oct

Esta exposición ofrece una perspectiva particular de la arquitectura como tema de indagación fotográfica y pone énfasis en una serie de inmuebles que no están representados de manera explícita, pero se mantienen presentes por medio de encuadres fotográficos. Cristina Kahlo. Lo concreto. Fotografía arquitectónica y abstracta plantea una intersección de significados que están relacionados con el concreto como material de construcción, pero también con el concepto de lo particular. Tal es el caso del abstraccionismo implícito en el grupo de fotografías que, cargadas de su propia singularidad, transforman los detalles en imágenes sorprendentes. A través de cinco núcleos temáticos, el guión curatorial propone un recorrido por líneas geométricas reconocibles que, a su vez, ofrecen una manera distinta de interpretar la geometría hallada en los objetos cotidianos o la arquitectura que habitamos. La muestra está conformada por un conjunto de imágenes capturadas en México, Estados Unidos, Italia, Alemania, Francia, Inglaterra, Suiza, Turquía y China, entre otros países.

This exhibition offers a unique perspective on architecture as the subject of photographic exploration, and it emphasizes a series of structures that are not represented explicitly, but rather are made present through the photographic frames. Cristina Kahlo. Concrete. Architectural and Abstract Photography conveys an intersection of meanings relating to concrete as a construction material, as well as with the notions of specificity. Such is the case of the abstractionism implicit in the group of photographs that, charged with their own singularity, transform details into remarkable images. By way of five thematic nuclei, the curatorial script proposes a tour through the clear geometric lines that, at the same time, offer a distinct way to interpret the geometry that outlines quotidian objects and the architecture that we inhabit. The show is comprised of a sequence of images taken in Mexico, the United States, Italy, Germany, France, England, Switzerland, Turkey, and China, among other countries.

© Cristina Kahlo



BWSMX

BAJO EL SOL AZUL

UNDER THE BLUE SUN

horario lun - vie • 11 - 19 h
inaguración 7 oct
clausura 18 nov

Esta exposición reúne una nueva serie de cianotipos, obras que Fabiola Menchelli comenzó mientras realizaba su residencia en Casa Wabi, en Puerto Escondido, Oaxaca, en 2015, y finalizó durante su estancia como artista visitante en la Universidad de Cincinnati entre 2016 y 2017. La práctica de Menchelli es fundamentalmente fotográfica, pero se enfrenta constantemente a los límites de la fotografía, generando diálogos inesperados con otras disciplinas artísticas. Bajo el sol azul revela la sutil revolución que se produce a través de la contemplación profunda. Estos nuevos cianotipos toman como punto de partida el observatorio astronómico de Casa Wabi, creado por el arquitecto japonés Tadao Ando. Las curvas orgánicas de la construcción se traducen en exposiciones luminosas azules, reconectando la estructura de concreto con el cielo que fue diseñado para observar.

This exhibition brings together a new series of cyanotypes, works that Fabiola Menchelli began during her art residency at Casa Wabi in Puerto Escondido, Oaxaca, in 2015, and completed during her stay as a visiting artist at the University of Cincinnati between 2016 and 2017. Menchelli’s practice is fundamentally photographic, but she consistently challenges the limits of photography by generating unexpected dialogs with other artistic mediums. Under the Blue Sun reveals a subtle revolution produced by deep contemplation. These new cyanotypes begin with images of the astronomical observatory at Casa Wabi created by the Japanese architect Tadao Ando. The organic curves of the construction translate into bright blue exposures, reconnecting the concrete structure with the sky that it was designed to observe.

© Fabiola Menchelli



Centro de las Artes, Nave dos | Conarte

CANDIDA HÖFER EN MÉXICO

CANDIDA HÖFER IN MEXICO

horario mar - dom • 11 - 21 h
inaguración 5 oct
clausura 4 feb

Candida Höfer en México es una muestra que reúne el excepcional trabajo que esta gran artista, discípula de la escuela de Bernd y Hilla Becher, realizó en México durante el otoño de 2015. Sus fotografías de interiores vacíos de los espacios donde se desarrolla la vida social y educativa –teatros, iglesias, bibliotecas y museos– se distinguen por las atmósferas envolventes que hacen evidente la ausencia humana, por el meticuloso manejo de la luz, el estudio de las estructuras y por un rigor preciso que siempre resalta las variaciones características de cada lugar. El resultado son “retratos de espacios” en gran formato, en los que confluyen los planos y los colores, así como las relaciones de orden y desorden. El espectador se sumerge en las obras, descubre sitios emblemáticos y observa a través de una mirada contemporánea el bagaje histórico y estético de estos. Esta exposición presenta una selección de 38 fotografías de edificios icónicos de los estados de México, Jalisco, Guanajuato, Puebla y Oaxaca, así como de la Ciudad de México, que dan cuenta de la riqueza del patrimonio arquitectónico nacional.

Candida Höfer in Mexico is an exhibition that brings together the exceptional work of this great artist, a disciple of the school of Bernd and Hilla Becher, that was created in Mexico in the fall of 2015. Her photographs of the empty interiors where social and educational life is carried out —theatres, churches, libraries, and museums— stand out for their enveloping atmospheres that draw attention to the absence of humans, the meticulous use of light, the survey of the structures, as well as the rigorous precision that emphasises the characteristic aspects of each place. The result is a sequence of large format “portraits of spaces”, in which the planes and the colors converge, as well as the relationships of order and disorder. The viewers, drawn into the artworks, discover emblematic places and observe through a contemporary eye their historical and aesthetic legacy. This exhibition presents a selection of 38 photographs from iconic buildings in the states of Mexico, Jalisco, Guanajuato, Puebla y Oaxaca, as well as Mexico City, that bring light to the rich national architectural patrimony

© Candida Höfer



Trouvé

MURALLAS BASÁLTICAS

BASALTIC WALLS

curador | curator Javier Carral
horario lun - jue • 11 - 20 h
vie • 10 - 19 h
sáb • 11.30 - 15.30 h
inaguración 5 oct
clausura 31 oct

Es una serie fotográfica que recoge imágenes de lava petrificada, materiales basálticos y tezontle provenientes de la erupción del volcán Xitle, ubicado al sur de la Ciudad de México. Las fotografías muestran la belleza estética adjudicada al fuego petrificado, que conforma murallas, paredones, pozos y cuevas que se mantienen aún en un estado salvaje y puro. Al tomar éstas imágenes, Miguel Ángel Antúnez revela la abstracción que surge de extrañas texturas, cortes, luces y sombras, haciendo de ellas una experiencia visual única que comparte con el espectador.

This is a photographic series that brings together images of petrified lava, basaltic materials, and volcanic rock from the eruption of the Xitle volcano located to the south of Mexico City. The photographs reveal an aesthetic beauty allocated by the petrified fire, that has formed by barriers, walls, wells, and caves that remain still in a wild and pure state. With these images Miguel Ángel Antúnez portrays abstractions that arise uncanny textures, shapes, light, and shade, creating from them a singular visual experience to share with visitors.

© Miguel Ángel Antúnez



Canon Academy

RÍOS

RIVERS

curador | curator Marcela Chao
horario lun - vie • 10 - 20 h
sáb • 10 - 18 h
inaguración 12 oct
clausura 31 ene

El agua es un elemento dador de vida que contribuye a la diversidad. Su abundancia o su ausencia determina tanto la habitabilidad de un planeta como la forma en la que los seres vivos se vinculan entre sí. A pesar de que el agua cubre el 70% de la superficie de la Tierra, únicamente el 3% es agua dulce. Para Ríos, Eniac Martínez recorrió a lo largo de seis años los afluentes principales de México, dejando en evidencia la intrincada relación que existe entre el ser humano y las fuentes de agua, así como la inminencia con la que debemos reconsiderar el aspecto utilitario que les damos. El río es unión, frontera, motivo de celebración, medio de transporte, recurso, fuente de ingresos y energía, espacio de desecho, víctima y victimario. A través de la mirada del fotógrafo podemos apreciar y recorrer la variada gama de relaciones que hemos establecido con el agua –uno de los recursos naturales más preciados del hombre– y tomar conciencia de las graves consecuencias que significa su mal uso y lo que esto conlleva a nivel político, social, medioambiental y, sobre todo, vital.

Water is an element that gives life and contributes to diversity. Its abundance or absence determines to great extent the habitability of a planet as much as the way in which living beings are interconnected. Even though water covers 70% of Earth’s surface, only 3% is fresh water. For Rivers, Eniac Martínez visited the principal tributaries in Mexico over the course of six years to reveal the intricate relationship between man and water sources, as well as the urgency with which we should reconsider the uses that we give it. Rivers are places of where people come together, they are borders, the reason for celebration, a means of transport, a resource, a means of income and energy, a place where waste is disposed, a victim and an aggressor. Through the eye of the photographer we can appreciate and review the varied range of relationships that we have established with water —one of the natural resources most precious to man— and gain awareness of the severe consequences that its poor use entails and what this means on a political, social, environmental and above all vital level.

© Eniac Martínez



Galería Malafama

LATITUD: 40°24’59’’ N MADRID

LATITUDE: 40°24’59’’ N MADRID

horario lun - dom • 13 - 24 h
inaguración 21 oct
clausura 31 dic

Buscando nuevos mundos, la fotografía es el medio a través del cual Pablo Lecroisey encuentra la libertad, y su creatividad le permite hacer de lugares comunes escenarios donde el juego, la diversión y el amor imperan. La obra de Lecroisey trasciende el momento capturado. El madrileño construye experiencias estéticas que reafirman la importancia de la correlación entre artista y receptor, entre creador y espectador. Se trata de puestas en escena que generan realidades donde la belleza, la libertad y el respeto se imponen a través de la energía activa que rodea a la propia creación. Los mundos imaginados por el artista son testimonio de su amor por el planeta que habitamos. Un intento por cambiar la forma en que nos relacionamos, su aportación a una sociedad que ha perdido de vista que lo importante es cómo nos tratamos, no cómo nos vemos. Sin proponérselo, el artista logra que los personajes de sus fotografías cambien, muten y reconecten con el acto de ver al otro. | Lucia Garro

In search of new worlds, photography is the means by which Pablo Lecroisey finds liberty. His creative process allows him to generate in common places scenes where play, diversion, and love prevail. Lecroisey’s work transcends the captured moment. This artist from Madrid constructs aesthetic experiences that reaffirm the importance of the correlation between artist and receptor, between creator and spectator. These are staged scenes that generate realities where beauty, liberty, and respect are introduced by means of an active energy surrounding the creation itself. The worlds imagined by the artist are testimony to his love to the world we inhabit. An intent to change the way in which we relate to one another, a contribution to a society that has lost sight of the importance of how we treat each other, rather than how we look. Without suggesting so much, the artist is able to make the individuals in his photographs change, mutate and reconnect through the act of seeing the other. | Lucia Garro

© Pablo Lecroisey



Centro Cultural Ignacio Ramírez “El Nigromante”

SMAIL, 2015- 2017

horario mar - sáb • 9 - 18 h
inaguración 20 oct
clausura 28 ene

La ciudad donde vivía fue nombrada recientemente como “La mejor ciudad del mundo”. Actualmente esta región de México es conocida por sus elegantes spas, cafés, galerías y casas coloridas que hacen de ella un lugar seguro para vivir. San Miguel de Allende experimentó varios cambios en su estética después de convertirse en pueblo fantasma durante la Revolución mexicana. En la década de 1950 un gran número de exiliados, principalmente, de Canadá, Estados Unidos y algunos países europeos llegaron en busca de un sitio más tranquilo y confiable. Los hippies, los niños adinerados y adictos encontraron aquí su lugar y poco a poco crearon el estereotipo perfecto de un típico pueblo mexicano. Como un habitante recién llegado de la Ciudad de México, sentí como si ésta fuera una pequeña “burbuja” ajena a la situación de corrupción y violencia que se vive en el país.

The city where I used to live has been recently voted as “The Best City in the World”. Today this Mexican territory is known for it’s classy spas, cafes, galleries and colorful houses that make it a safe place to live. San Miguel de Allende has experienced many aesthetic changes after becoming a ghost town during the Mexican Revolution. In the 1950s many “expats” mainly form Canada, United States and some parts of Europe, arrived seeking a safer and peaceful place to live. Hippies, rich kids and dopers found their place and slowly created the perfect stereotype of a Mexican town. As a Mexican that recently relocated from Mexico City it instantly felt like a small “bubble” alien to the rest of the country’s current situation of corruption and violence.

© Alessandro Bo Rohde



Centro de la Imagen

CONTINUOUS. CONTIGUOUS Y RED FLOWERS VIDEO WALL
VIDEOINSTALACIONES DE DIANA THATER

CONTINUOUS. CONTIGUOUS AND RED FLOWERS VIDEO WALL
VIDEO INSTALLATIONS BY DIANA THATER

curador | curator CIAC
horario mié - dom • 10 - 19 h
inaguración 24 oct
clausura 11 feb

Diana Thater crea instalaciones que oscilan entre la arquitectura y la escultura, en las que reflexiona acerca de la percepción, la mirada y el modo en que el ser humano habita su mundo y se reconoce dentro éste. Para lograr esta conciencia del tiempo y el espacio utiliza recursos como el sonido y el color, jugando con la proyección de diversas tonalidades sobre los muros y los vértices. Uno de los elementos constantes dentro de la producción de Thater es el mundo natural, representado por la flora y la fauna, donde no existe una narrativa específica y se desarrolla en una temporalidad y espacialidad distinta a la del ser humano. A través de Continuous. Contiguous y Red Flowers, la artista reflexiona acerca del binomio culturanaturaleza y el modo en que nos comunicamos y relacionamos con los otros seres que también habitan el mundo.

Diana Thater creates installations that oscillate between architecture and sculpture, in which she reflects upon perception, the gaze, the way in which humans inhabit their world and recognize themselves in it. To achieve this awareness of time and space, she uses resources including sound, color, and playing with the projection of diverse tonalities on walls and vertexes. One of the consistent elements in Thater’s productions is the natural world portrayed by flora and fauna, which without any specific narrative develops in a temporality and spatial area different to those of human begins. With Continuous. Contiguous and Red Flowers, the artist reflects upon the culture-nature binomial, as well as the way in which we communicate and relate to other beings who also inhabit the earth.

© Diana Thater



Centro Nacional de las Artes

DISLOCATING SURFACES

curador | curator Behzad Farazollahi
horario mar - dom • 10 - 18 h
inaguración 26 oct
clausura 18 feb

MELK es una iniciativa artística dedicada a la nueva fotografía escandinava. Su propósito es contribuir a la sensibilización de la escena de fotógrafos contemporáneos de la región y del lugar que el medio ocupa en un contexto actual. Desde fines de la década de 1980 la fotografía escandinava se posicionó en la escena internacional de artistas altamente capacitados. En un principio el interés se centró en la fotografía documental, aunque la generación de 1990 marcó un cambio en el discurso de las artes visuales. En la última década surgió una generación sólida de artistas jóvenes que han llevado este cambio más allá, hacia un diálogo próximo al arte contemporáneo. De este modo nos alejamos de aquello que ha sido considerado como un ámbito exclusivo de fotógrafos profesionales. Dislocating Surfaces integra la obra de seis fotógrafos escandinavos seleccionados por la iniciativa MELK, que tienen en común la exploración de este lenguaje y un mayor entendimiento del potencial de un discurso fotográfico.

MELK is an artist run initiative for new Scandinavian photography. The aim for the initiative is to raise awareness of the scene of contemporary photographers in the region and the position of the medium today, in a contemporary context. Since the late 1980s the Scandinavian field of photography has evolved towards an internationally recognized scene of highly skilled practitioners. The focus originally lied within documentary photography, whereas the 1990s generation marked a shift towards a discourse within fine art. In the last decade, there has been a strong generation of younger artists whom have moved this shift further, in close dialogue with contemporary art in general. Thus stepping out of what has been seen as a closed field of fine art photographers. Dislocating Surfaces contains work from six Scandinavian photographers MELK has chosen. What they have in common is their exploration of the medium and further understanding of a potential within a medium specific discourse.

© Colectiva | Collective



Centro Nacional de las Artes

KIII - PANTONECRÓPOLIS - COLUMBARIUM

curador | curator Jean-Philippe Imbert
horario mar - dom • 10 - 18 h
inaguración 26 oct
clausura 18 feb

La triple propuesta de Alejandro Gómez de Tuddo comprende dos exposiciones fotográfi- cas y una instalación. Las fotografías del proyecto KIII (Koimeterion III) nos conducen hacia los detalles íntimos del microcosmos del cementerio, mientras que las imágenes panorámicas de gran formato de Pantonecrópolis, cuestionan el concepto de frontera entre la ciudad de los vivos y la de los muertos. Los retratos funerarios de la instalación Columbarium proponen un singular discurso sobre la mirada, el reflejo y la resonancia entre la vida y la muerte. Así la fusión de estos tres elementos genera una escatología imaginada que pone de manifiesto la relación entre la domus ultima, el tiempo, el espacio y la memoria, piedra angular en la obra del artista.

The threefold proposal of Alejandro Gómez de Tuddo is comprised of two photographic sequences and one installation. The photographs from his project KIII (Koimeterion III) reveal to us the intimate details of the microcosmos of the cemetery, while the large format panoramic images in Pantonecropolis, question notions of boundary between the city of the living and the city of the dead. The funerary portraits in the installation Columbarium offer a unique reflection regarding artistic perspective, reflection, and the resonance between life and death. Accordingly, these three elements generate a visual eschatology that brings light to the relationship between domus ultima, time, space, and memory, the cornerstone of the artist’s work.

© Alejandro Gómez de Tuddo



Museo de Arte Carrillo Gil

LOS VIAJES DE CARLOS GINZBURG, 1972-2017

CARLOS GINZBURG’S VOYAGES, 1972-2017

curador | curator Carlos E. Palacios
horario mar - dom • 10 - 18 h
inaguración 27 oct
clausura 14 ene

Carlos Ginzburg (1946) es uno de los artistas conceptuales más importantes de Latinoamérica. Sus obras de naturaleza filosófica están muy influenciadas por la realidad sociopolítica, la acción, el performance, el arte pobre y ecológico, la intervención urbana o el sistema que involucra a los objetos. Desde la segunda mitad de la década de 1970, coincidiendo con su mudanza a París, Ginzburg ha desarrollado buena parte de su práctica artística desde la idea del viaje y su registro documental. Su obra se compone de numerosas series fotográficas organizadas desde principios cercanos al archivo o al álbum de fotos, aun cuando como él mismo señala sobre su trabajo, estos forman parte de micro-eventos privados y públicos documentados con fotos. La exposición Los viajes de Carlos Ginzburg, 1972-2017 reúne sus más representativas e icónicas obras basadas en fotografías, en las cuales construye un universo de gestos y comportamientos donde pone en cuestionamiento a la figura del artista global, la estética del turismo o la experiencia del lugar como un espacio para la experimentación conceptual.

Carlos Ginzburg (1946) is one of the most exceptional conceptual artists of Latin America. His works of philosophical nature are greatly influenced by the socio-political reality, as well as action, performance, and ecological art, arte povera, urban intervention and the system involving objects. Since the second half of the 1970s about the same time that the artist moved to Paris, a large part of Ginzburg’s artistic practice has explored ideas about travel and its documentation. His work is composed of numerous photographic series that organized around principals relating to the archive or photo albums. The artist has even noted about own work that these images form part of private and public micro-events documented with photos. The exhibition Carlos Ginzburg’s Voyages, 1972-2017 brings together the artist’s most representative and iconic bodies of photographic works, in which he constructs a universe of gestures and behaviors that question the figure of the global artist, the aesthetic of tourism, and the experience of place as a space for conceptual experimentation.

© Carlos Ginzburg



Bodega Quetzalli

TODO PAISAJE

ALL LANDSCAPE

curadores | curators Patricia Conde Galería – Galería Quetzalli
horario lun - sáb • 10 - 14 y 17 - 20 h
inaguración 27 oct
clausura 17 nov

En esta exposición el paisaje no es necesariamente la naturaleza, no corresponde a un lugar, sino que se construye a partir de aquello que nos rodea, como un ensamble cultural que se entiende a partir de los distintos elementos que lo conforman. Se encuentra en la intención del artista, en la intervención del objeto y en la interpretación del espectador. Esta muestra reúne a destacados fotógrafos quienes a través de su lente nos invitan a realizar un recorrido que oscila entre lo figurativo y lo abstracto, a través de paisajes contemplativos y caóticos; escenas del inconsciente que no son creadas por el fotógrafo ni pertenecen a la visión natural del mundo, sino que se generan a partir de la mirada particular de cada uno de estos artistas. Así, la naturaleza se entiende de forma a veces concreta y otras abstracta. Se transforma en memoria, en identidad, en lo que se observa y en lo que no está presente. Es el campo, la playa, el bosque. Es la construcción, es Todo paisaje.

In this exhibition, a landscape does not necessarily depict nature, nor it does correspond to a specific place, but rather it is constructed from those that surround us like a cultural ensemble understood through its different elements. It is found in the intention of the artist, in the intervention of the object, and in the interpretation of the viewers. This show brings together works by outstanding photographers who by way of their lenses invite us on a tour that swings between figurative and abstract, through contemplative and chaotic landscapes; scenes from the sub-conscience that are not created by the photographer, nor do they belong to the natural vision of the world, but instead are generated through the unique eye of each of these artists. Thus, nature is understood in ways that are at times concrete and other times abstract. It is transformed in memory, in identity, in what is observed, and in what is not present. In the field, the beach, the forest. It is the construct, it is All Landscape.

© Colectiva | Collective



Museo Archivo de la Fotografía

NAOYA HATAKEYAMA: RIKUZENTAKATA

curador | curator Naoya Hatakeyama
horario mar a dom • 10 - 17 h
inaguración 31 oct
clausura 31 ene

Naoya Hatakeyama nació en 1958, en Rikuzentakata, Iwate, en Japón. La ciudad fue devastada por el tsunami que arrasó las costas de ese país en 2011, ocasionando el accidente nuclear de Fukushima y dejando una estela de devastación tras su paso. A partir de esta experiencia de pérdida, Hatakeyama inició un trabajo fotográfico en esa región. En sus imágenes nos adentramos –como en las más terribles pesadillas– a una realidad donde los restos de la producción industrial inundan los campos, los bosques y los océanos. Vemos paisajes con poca presencia humana, los restos de la civilización, sus ruinas y el lento proceso de rehacerse, así como ciclos de creación y destrucción donde la voluntad humana de permanecer se nos anuncia en pequeños detalles frente a la magnitud de las fuerzas de la naturaleza que rebasan al hombre. La exposición consiste en 50 piezas fotográficas que muestran la transformación del paisaje destruido, en un lapso de cinco años, donde se enfrentan la naturaleza y la mano del hombre.

Naoya Hatakeyama was born in 1958, in Rikuzentakata, Iwate, in Japan. The city was devastated by the tsunami that destroyed the coasts of this country in 2011, causing the nuclear accident in Fukushima and leaving behind a wake of wreckage. From this experience of loss, Hatakeyama began a photographic work about this region. In her images, we are lead deep into a reality —as if it were a terrible nightmare— where industrial waste floods fields, forests, and oceans. We see landscapes with little human presence, remains of civilizations, its ruins and the slow process of remaking itself, just like the creation and destruction cycles in which the human desire to remain signals us with small details against the magnitude of the forces of nature that surpasses man. The exhibition consists of 50 photographic pieces that reveal the transformation of the destroyed landscape over the course of five years, where nature meets the hand of man.

© Naoya Hatakeyama



Canadian Photography Institute

FRONTERA: PERSPECTIVAS DE LOS LÍMITES ENTRE MÉXICO Y ESTADOS UNIDOS

FRONTERA: VIEWS OF THE U.S.– MEXICO BORDER

curador | curator Luce Lebart
horario lun - dom • 9.30 - 18 h
inaguración 3 nov
clausura 2 abr

La frontera norte de Estados Unidos que se extiende desde el Atlántico hasta el Pacífico y separa a este país de Canadá, es el límite internacional sin vigilancia más extenso del mundo. No se puede decir lo mismo de su frontera sur. Debido a su ubicación física y a cuestiones geográficas, culturales, políticas, económicas y sociales, la frontera entre Estados Unidos y México es con frecuencia un lugar de tensiones. ¿Qué es una frontera? ¿Es un límite o una barrera? O por el contrario, ¿es un pasaje o ambas? Las obras que integran esta exposición, realizadas entre 1997 y 2017, cuestionan la noción de frontera, al tiempo que pretenden definir sus contornos y explorar sus representaciones. Frontera reúne el trabajo de artistas contemporáneos como los mexicanos Pablo López Luz y Alejandro Cartagena; los canadienses Mark Ruwedel y Geoffrey James; el suizo Adrien Missika, la estadounidense Kirsten Luce y el alemán Daniel Schwarz. El título de la muestra fue tomado de una serie fotográfica realizada por Pablo López Luz en 2013.

The United States’ northern border, separating it from Canada and stretching from the Atlantic to the Pacific, is the longest unguarded international border. The same cannot be said of the United States’ southern frontier. Frequently in the international news due to its physical location and its geographic, cultural, political, economic, and social issues, the border between Mexico and the United States is the site of tensions. What is a border? Is it a boundary and barrier, or, on the contrary, a passageway—or is it both? The works in Frontera, made between 1997 and 2017, question the very notion of border, attempt to define its edges, and explore its representations. Frontera gathers contemporary works by international artists, among them Mexicans Pablo López Luz and Alejandro Cartagena, Canadians Mark Ruwedel and Geoffrey James, Swiss Adrien Missika, American Kirsten Luz and German Daniel Schwarz. The exhibition’s title is taken from the series of photographs produced in 2013 by Pablo López Luz.

© Colectiva | Collective



Centro Cultural Jardín Borda

HORIZONTE DE LOS EVENTOS (WALL-SCAPE)

THE HORIZON OF EVENTS (WALL-SCAPE)

curador | curator José Valtierra
horario mar - dom • 10 - 17.30 h
inaguración 4 nov
clausura 7 ene

Una imagen se repite en la pantalla, una repetición temporal en un desplazamiento espacial. En sonido estéreo: campanas, ecos, pasos, piedras, olas… el océano. Descripción conceptual. Algunas piedras, un muro, un paisaje, un límite… divisiones estáticas, sólidas se licúan ante el movimiento. Dos movimientos: uno corresponde al paso del tiempo, el otro al que se realiza a través del espacio. Un sólido se hace líquido… transitable, navegable; un horizonte inalcanzable evoca que los cambios sean extremadamente lentos o bien se sitúen entre largos periodos de aparente inmovilidad. Podríamos no advertirlo. ¿Qué tanto el tiempo que nos separa supera el de nuestra existencia, el de varias generaciones, incluso el de la memoria colectiva? Una campana anuncia el movimiento, su eco se diluye en el océano, no observamos llegar al otro lado, nunca llegamos al horizonte de ningún evento, el futuro es inalcanzable.

An image is repeated on a screen, a repetition in time of a displacement in space. In stereo sounds: bells, echoes, steps, stones, waves… the ocean. Conceptual description. Some stones, a wall, a landscape, a boundary… static, solid divisions liquefy with the movement. Two movements: one corresponds to the passage of time, the other is made through space. A solid element becomes liquid… passable, navigable; the unattainable horizon leads to changes that are extremely slow, or rather they occur between long periods of apparent immobility. It would be possible to go unnoticed. How much time that separates us surpasses our existence, that of several generations or even of the collective memory? A bell announces the movement, its echo dissolves in the ocean, we are not aware that it arrives at the other side, we never arrive at the horizon of any event, the future is beyond reach.

© Ale de la Puente



Laboratorio Arte Alameda

neoTRÓPICO

neoTROPIC

curador | curator Jorge La Ferla
horario mar - dom • 9 - 17 h
inaguración 9 nov
clausura 25 feb

neoTrópico propone la lectura sobre una región en apariencia cercana, como es el trópico, mediante representaciones de un espacio físico, temporal, imaginario y mental. Neotrópico es el nombre dado por la biogeografía a la región del continente americano que comprende desde el Sur de México hasta la Patagonia. Esta clasificación geográfica delimita un territorio complejo marcado también por la desigualdad económica y los conflictos sociopolíticos. neoTrópico aborda las dificultades de aquellos hombres que se enfrentan a su condición de locales y, al mismo tiempo, de extraños a partir de las conquistas, evasiones, invasiones, traslados y apropiaciones. Una estética del viaje por lugares ajenos donde la imagen del otro –el extranjero, el indocumentado, el desplazado, el migrante, el clandestino– pone en evidencia un sistema que oculta, ilusiona, persigue y termina enajenando al viajante, al narrador, al artista y en definitiva al espectador de esta muestra.

neoTropic proposes a look at a seemingly close region that is the tropics, through representations of a physical, temporal, imaginary, and mental space. The name neoTropic is given by the biogeography of the region in the American continent that spreads from southern Mexico to Patagonia. This geographic classification outlines a complex territory marked also by economic inequality and sociopolitical conflicts. neoTropic addresses the difficulties of those men that confront their condition as locals and, who at the same time have been estranged by conquests, evasions, invasions, relocations, and appropriations. The aesthetic of a journey through unknown places where the image of the other—the foreigner, the undocumented, the displaced, the migrant, the clandestine—puts into evidence a system that conceals, inspires hope, persecutes, and ends up alienating the traveler, the narrator, the artists, and without doubt the visitor of this show.

© Gerardo Suter



Galería José María Velasco

DENTRO Y FUERA. YOLANDA ANDRADE, VIGÍA DE LA SORPRESA

INSIDE AND OUT. YOLANDA ANDRADE, SEEKER OF SURPRISES

curador | curator Alfredo Matus
horario mar - dom • 9 - 18 h
inaguración 11 nov
clausura 21 ene

Yolanda Andrade ha abordado en sus fotografías diversos aspectos de la cultura urbana. De su larga trayectoria en la fotografía analógica en blanco y negro, ha transitado con fortuna y sin reparo a la foto digital a color, donde mantiene su calidad y ojo acucioso. De carga hiperrealista contundente y bajo una franca exacerbación del color, Andrade captura el ambiente en las calles de distintas ciudades y en interiores de edificios, que dan testimonio del estilo de vida de la gente que deambula en ellos, otorgando así dignidad y misterio a lugares que podrían parecer banales, pero que a través de su mirada revelan un poder extraordinario en todos sus contrastes.

Yolanda Andrade has touched upon diverse aspects of urban culture in her photographs. From a long trajectory working with black and white analog photography, she has transitioned with good fortune and without hesitation to digital color photography, while upholding the quality of her work and her acute eye. With a conclusive hyperrealist charge and a frank exacerbation of color, the images by Andrade capture the ambiance of streets in different cities and the interiors of buildings, creating a testimony of the lifestyle of the people wandering through them. They offer dignity and mystery to seemingly banal places that through her gaze reveal in all of their incongruities an extraordinary power.

© Yolanda Andrade



Centro de las Artes, Nave dos | Conarte

JUNGLE CHECK, UNA FOTOINSTALACIÓN DE CRISTINA DE MIDDEL Y KALEV ERICKSON

JUNGLE CHECK. A PHOTO INSTALLATION BY CRISTINA DE MIDDEL AND KALEV ERICKSON

horario mar - dom • 11 - 21 h
inaguración 14 nov
clausura 25 feb

Ésta es la historia de dos personas que rastrean y reinterpretan los vestigios de una aventura del pasado sucedida en México, contenida en una colección de Polaroids que Cristina de Middel encontró en un mercado de pulgas de la Ciudad de México. Así, junto a Kalev Erickson, inició un viaje para rastrear, reconstruir y reinterpretar una historia a partir de los restos depositados en estas imágenes. Decididos a ubicar la locación original, en agosto de 2015 ambos se trasladaron a Tulum para encontrar aquella selva capturada en las fotografías, de colores alterados por el paso del tiempo. Bajo un lúdico abordaje y buscando recrear el mismo sentido de misticismo y ambigüedad hallados en las Polaroid, Cristina y Kalev se permitieron todo tipo de ejercicios en su registro fotográfico: abrir el diálogo con la imagen, tratar de entender la intención del autor actualizando su significado o bien, replicando la imagen lo más preciso posible hasta llegar a un punto donde el sentido y la intención de la serie, aparentan estar perdidas en un universo de posibilidades tan amplio como la jungla en la que trabajaron.

This is the story of two people who tracked down and reinterpreted the remains of an adventure that occurred in Mexico, which was conserved in a collection of Polaroids that Cristina de Middel found at a flea market in Mexico City. Together with Kalev Erickson, she then began a journey to seek out, reconstruct and reinterpret the story of these images through hints held within them. Determined to find the original location, both artists traveled to Tulum in August of 2015 to find the jungle portrayed in the images discolored from the passage of time. With a playful approach and seeking to recreate the same feeling of mysticism found in the Polaroids, Cristina and Kalev allowed themselves to experiment through diverse exercises in their photographic documentation: to open a dialog with an image, to try to understand the intention of the artist while bring to date is meaning, or even replicating the image exactly as possible until reaching the point where the mood and intention of the series seem lost in a universe of possibilities as wide as the jungle where they were working.

© Cristina de Middel y Kalev Erickson



Centro de las Artes, Nave dos | Conarte

OTSUCHI. MEMORIAS DEL FUTURO

OTSUCHI. FUTURE MEMORIES

horario mar - dom • 11 - 21 h
inaguración 14 nov
clausura 25 feb

El 11 de marzo de 2011, Japón sufrió un terremoto que provocó un gigantesco tsunami, devastando las comunidades costeras, entre ellas, el pueblo pesquero de Otsuchi. Allí, cerca del diez por ciento de la población murió o desapareció, y el sesenta por ciento de los edificios fue destruido. Entre el caos y los escombros, la gente comenzó a recuperar sus fotografías familiares para mantener a salvo la memoria de Otsuchi. Las imágenes deformadas y borrosas, alteradas por los efectos del agua salada crearon una nueva paleta de colores que fue revalorizada en un ejercicio de “arqueología del color” y utilizada para colorear los retratos en blanco y negro de los sobrevivientes –quienes posaron en los sitios donde se ubicaban sus casas o lugares de trabajo–, construyendo así un diálogo entre el pasado y el presente. Esta exposición propone una reflexión sobre la relación dinámica entre las fotografías familiares y nuestra memoria, cuando suceden este tipo de tragedias. Además de las pérdidas físicas, los sobrevivientes se enfrentan a la pérdida intangible de su propia memoria, de su identidad, y donde las fotografías familiares cumplen un rol fundamental.

On March 11, 2011, Japan suffered an earthquake that caused a giant tsunami that devastated coastal communities, among them, the fishing town of Otsuchi. Nearly ten percent of the population died or disappeared, and seventy percent of the buildings were damaged there. In the midst the chaos and desorder, people began to recover their family photographs to preserve the memory of Otsuchi. The deformed and blurred images, altered by the effects of salt water, created a new color palette, which was then appraised in an exercise of “color archaeology” and used to colorize black and white portraits of survivors—who posed at the location of their houses or places of work—, and thus constructing a dialog between the past and present. This exhibition offers a reflection about the dynamic relationship between family photographs and our memory when such tragedies happen. Beyond the physical losses, the survivors face the intangible loss of their own memory, their own identity, where family photographs fulfill a fundamental role.

© Alejandro Chaskielberg



Laboratorio Arte Alameda

LOS PIES EN EL AGUA Y LA MIRADA EN LAS ESTRELLAS, ESPERANDO EL RELÁMPAGO

WITH FEET IN THE WATER AND EYES ON THE STARS, WAITING FOR THE LIGHTNING

curador | curators Michel Blancsubé
horario
inaguración
clausura

Esta exposición hace un recuento de la historia del ser humano frente al universo a través del tiempo. Se compone de diez piezas (artefactos pictóricos, escultóricos, mecánicos, fotográficos, sonoros y fílmicos), surgidas a partir de las incursiones que Ale de la Puente realizó durante los últimos seis años en el Instituto de Astronomía de la UNAM y la Organización Europea para la Investigación Nuclear (CERN, por sus siglas en francés), así como de su colaboración con el Centro Multimedia del Cenart. También incorpora los resultados de la expedición en fase de navegación, sin tierra a la vista realizada sobre la zona de convergencia intertropical –la línea del Ecuador– durante el equinoccio de septiembre de 2017. Las piezas en exhibición tienen como sede principal el Laboratorio Arte Alameda y como sedes alternas el Planetario Ka’Yok’ en Cancún, Quintana Roo, y el Observatorio Astronómico Nacional de la UNAM en Tonantzintla, Puebla. Esta muestra va acompañada de un catálogo y de un programa académico que aborda las colaboraciones entre arte, ciencia y tecnología.

This exhibition presents a review of the history of man in the universe through time. It is composed of ten pieces (pictorial artifacts, sculptures, mechanics, photographs, sound and film works), that are the result of incursions that Ale de la Puente has made during the last six years in the Instituto de Astronomía at the UNAM, and the European Organization for Nuclear Research (CERN, for its initials in French), as well as the collaboration with the Centro Multimedia at Cenart. Also, it includes the outcome of an expedition in the sea with no land in sight over the intertropical convergence zone —the equator line— during the equinox in September 2017. The principal venue for the pieces in this exhibition is Laboratorio Arte Alameda, with satellite venues at the Planetario Ka’Yok’ in Cancún, Quintana Roo, and the Observatorio Astronómico Nacional at the UNAM in Tonantzintla, Puebla. This show is accompanied by a catalog and an educational program that introduces collaborations between art, science, and technology.

© Ale de la Puente