Museo de Arte de Sonora.

PATRIARCHY IS A BITCH

curador | curator Octavio Avendaño
horario mar - dom • 10 - 18 h
inaguración 14 sep
clausura 4 feb

La investigación artística de Eugenia Martínez (1976) emplaza lo visual no sólo como soporte sensible, sino que lo ubica en el centro mismo de un pensamiento crítico alrededor de la constitución cultural de la sociedad. Problemáticas de género, racismo y clasismo son los principales temas que aborda Martínez desde una estrategia dialéctica; en tanto recurso plástico que alude a una composición orgánica, cercana al trazo del dibujo, y en tanto herramienta de enunciación. En ese sentido las fotografías antiguas, anónimas y rescatadas, operan en el cuerpo de la obra de la artista como huellas sociales de prácticas y símbolos culturales que al ser intervenidas con frases, invocan a los fantasmas del prejuicio que se manifiestan ante la imagen y la palabra.

The artistic research of Eugenia Martínez (1976) positions the visual creation not only as a sensorial surface, but rather it locates it at the very center of a critical inquiry about the cultural constitution of society. Issues of gender, racism, and classism are some of the principal themes that Martínez undertakes from a dialectical strategy, as a visual resource that alludes to an organic composition, similar to the lines of a drawing, and as a tool for enunciation. Therefore, the old, anonymous, and recovered photographs function in the body of the artwork of the artist as social proof of cultural practices and symbols that when intervened with phases, evoke the phantoms of prejudice that manifest themselves before the images and words.

© Eugenia Martínez



Museo del Objeto del Objeto

GOLES Y PASIONES: ONCE DÉCADAS DE FUTBOL EN MÉXICO

GOALS AND PASSIONS: ELEVEN DECADES OF SOCCER IN MEXICO

curador | curator Éramos Tantos
horario mar - dom • 10 - 18 h
inaguración oct

Más que un deporte o un entretenimiento, el futbol es considerado una expresión cultural con un profundo arraigo en la sociedad mexicana. Cuando los inmigrantes ingleses introdujeron los primeros balones a nuestro país, a fines del siglo XIX, pocos hubiesen imaginado la aceptación que la actividad del balompié alcanzaría entre la población. Con el paso del tiempo ésta se convirtió en una tradición que ha documentado en su propia historia las transformaciones que hemos experimentado en la sociedad a lo largo del siglo XX. Así la presencia del futbol entre nosotros ha dejado huellas y testimonios imborrables que se han recopilado en esta exposición. A partir de objetos emblemáticos pertenecientes a distintas épocas y una vasta colección de fotografías y videos, se elabora una detallada revisión de la memoria futbolística en México, desde su universo estético hasta las manifestaciones populares originadas a su alrededor, para demostrar que la vida cotidiana y el futbol siempre han ido de la mano.

More than just being a sport or entertainment, soccer is considered a cultural expression with deep roots in Mexican society. When the English immigrants introduced the footballs to our country in the late 19th century, few could have imagined the acceptation that the sport would reach among the populace. With the passage of time, soccer has become a tradition that has documented in its own history the transformations that we have experienced in society throughout the 20th century. The existence of soccer has thereby left unforgettable traces and testimonies that have been brought together in this exhibition. A detailed review of soccer memorabilia in Mexico has been elaborated, including emblematic objects from different eras, as well as a vast collection of photographs and videos. Spanning from the sport’s aesthetic universe to the popular manifestations original to the surroundings, they demonstrate that the everyday life and soccer have always gone hand and hand.

© Colectiva | Collective



Galería López Quiroga

NATURALEZA QUIETA

STILL LIFE

horario lun - vie • 10 - 19 h
sáb • 10 - 14 h
inaguración 30 sep
clausura 18 nov

Los artistas van cargando sobre sus espaldas la costumbre de convertir en naturaleza los objetos de los que disponemos en la mesa o en la mirada o en las leves biografías o en los escenarios. Seres que de tan meticulosos con los objetos se volvieron artistas, guías, dirigentes del espacio y de la atmósfera. Objetos pululantes, micromóviles, que al quedar expuestos se volvieron formas, nebulosas reliquias familiares: fantasmas. Contemplarlos, para nuestra sorpresa, nos convierte en artistas. Con la vista imponemos un orden propio, curioso y autobiográfico (ésa es la historia del arte). Interpretamos por ello un sorpresivo papel: una quimera. Podemos invocar y traducir en la mente unidades “vivibles” que se acomodaron ante nuestra vista, ante nuestra conciencia como escenificaciones de nuestra propia alma, de nuestro pasado o de nuestros ánimos e inclinaciones por la vida, complicada o sencilla. “Miramos” cada escena o episodio como lo registró en su alcoba, en su momento, Sor Juana: un cadáver con alma, / muerto a la vida y a la muerte vivo, / Nuestro primer sueño. | Alberto Dallal

Artists bear the custom of converting into nature objects that we have on the table, or in the eye, or in the slight biographies, or in the settings. Individuals so meticulous with objects that they become artists, guides, commanders of spaces and atmospheres. They are multiplying, micro mobile objects that when exposed become shapes, hazy family relics: phantoms. By contemplating them, to our surprise, we become artists. Through our vision, we impose our own order, curious and autobiographic (this is art history). From it, we construe an unexpected role: a chimera. We can invoke and translate in our heads “visible” units that come into place before our eyes, before our consciences as scenes from our very own soul, of our past, or our nature and inclinations in life, complex or simple. We “see” each scene or episode as it was recorded in its chamber, in its time, Sor Juana: a body with a soul, / dead to life and to death alive, / First Dream. | Alberto Dallal

© Colectiva | Collective



Fototeca Nacional

LA INDIA DE RAGHU RAI

RAGHU RAI’S INDIA

horario lun - vie • 9 - 19 h
sáb • 9 - 18 h

En el trabajo de Raghu Rai se revelan intrincadas texturas y humores de forma sutil. Cada fotografía es un cuento, una historia en varios niveles, de una tierra abigarrada y de su gente. El fotógrafo hindú obtiene una extraordinaria variedad, principalmente, sólo con una cámara y un lente zoom de 28-70 mm. Para Rai es fundamental ser exclusivamente un fotógrafo de la India. Su intención es la de concentrarse en el paisaje social de su país. A pesar de los problemas sociales, económicos y políticos, no hay ningún otro lugar donde él quiera trabajar o vivir: “Siento que cada uno de nosotros –no importa dónde–, tenemos un espacio propio que creamos y descubrimos tanto para nosotros mismos como para los otros, y esto nadie nos lo puede quitar. Creo que mi lugar está en la India. La India es en sí, un mundo suficientemente grande para que yo lo explore”.

In Raghu Rai’s work, intricate textures and moods are subtly portrayed. Each photograph is a story, a narrative with several layers of interpretation, about a disparate land and its people. The Indian photographer captures an extraordinary variety of images, working for the most part with one camera and one 28-70 mm lens. For Rai, being exclusively an Indian photographer is fundamental. His intention is to concentrate on the social landscape of his country. Even with the social, economic, and political problems, there is no other place where he would rather work and live: “I feel that each one of us—it does not matter where—, has our own space that is something that we create and discover for ourselves and for others, and this is something that nobody can take away. I think my place is in India. India itself is a world large enough for me to explore.”

© Raghu Rai



Universidad del Claustro de Sor Juana

LOS ALTARES MONUMENTALES DE SOR JUANA

THE MONUMENTAL ALTARS OF SOR JUANA

curadora | curator Inés Maldonado
horario lun - sáb • 10 - 18 h
inaguración 12 oct
clausura 17 nov

Esta exposición reúne una selección de los Altares Monumentales realizados por la Universidad del Claustro de Sor Juana a lo largo de casi tres décadas, que se han convertido en un referente del tradicional Día de Muertos, en el Centro Histórico de la Ciudad México. Las ofrendas dedicadas a homenajear a la Décima Musa, en un principio, estuvieron a cargo del escenógrafo David Antón, quien instauró la calidad artística, artesanal y cultural que hasta ahora ha perdurado. A lo largo de la historia, la figura de Sor Juana Inés de la Cruz ha estado acompañada por grandes personajes de la literatura, la plástica, la política y la cultura como: José Guadalupe Posada, Octavio Paz, Frida Kahlo, Rita Guerrero, La Malinche, María Félix, Chavela Vargas, La Güera Rodríguez, Pita Amor, María Sabina, Rosario Castellanos, Leonora Carrington, María Izquierdo, Benito Juárez, Cuauhtémoc, Porfirio Díaz, Cervantes y Shakespeare. En 2015 para conmemorar los treinta años del terremoto de 1985 el altar estuvo dedicado a la Ciudad de México y sus habitantes.

This exhibition brings together a selection of Monumental Altars created by the Universidad del Claustro de Sor Juana for nearly three decades that have become a point of reference during the traditional Day of the Dead celebrations in the historic downtown of Mexico City. The altars dedicated to the twelfth muse were, in the beginning, designed by the scenographer David Antón, who established the artistic, artisanal, and cultural quality that is upheld to this day. Throughout history, the figure of Sor Juana Inés de la Cruz has been accompanied by great figures in literature, visual arts, politics, and culture such as: José Guadalupe Posada, Octavio Paz, Frida Kahlo, Rita Guerrero, La Malinche, María Félix, Chavela Vargas, La Güera Rodríguez, Pita Amor, María Sabina, Rosario Castellanos, Leonora Carrington, María Izquierdo, Benito Juárez, Cuauhtémoc, Porfirio Díaz, Cervantes, and Shakespeare. In 2015, to commemorate the 30 years of the earthquake in 1985, the altar was dedicated to Mexico City and its inhabitants.

© Colectiva | Collective



Galería Breve

NOTAS AL FUTURO

NOTES TO THE FUTURE

curadores | curators Sofía Garfias, Verónica Puche y Miguel Winograd
horario mar y jue • 10 - 18 h
Vie • 10 - 15 h
Sáb • 11 - 14 h
inaguración 14 oct
clausura 18 nov

La fotografía puede ser una resistencia. Resistencia a la realidad, al paso del tiempo y al olvido. Resistencia a la injusticia, la represión, la normatividad social y sexual. Desde hace un tiempo es, además, una resistencia a sus propias limitaciones como medio. Notas al futuro presenta la obra de un grupo de artistas internacionales que están respondiendo a un horizonte político cargado de incertidumbre, desde géneros, perspectivas y técnicas que cubren el espectro de las prácticas fotográficas actuales. Se trata tanto de una diálogo con ese futuro precario que enfrenta nuestra generación como de un cuestionamiento y reinterpretación de la fotografía en sí. Desde piezas dispuestas y creadas para el espacio de exhibición hasta libros de artista que ofrecen al espectador una narración íntima y no lineal, la ubicuidad de la imagen y la crisis de la representación generan una explosión de posibilidades. El impulso documental se problematiza, enlazándose libremente con la puesta en escena y la construcción de dimensiones ficticias.

Photography can be a form of resistance. A resistance to reality, to the passage of time, and to oblivion. Resistance to injustice, to repression, to social and sexual norms. It has also been for some time a form of resistance to its own limitations as a medium. Notes to the Future presents the work of a group of international artists that are responding to a political horizon charged with uncertainty, from genres, perspectives, and techniques that cover the spectrum of current photographic practices. It involves a dialog with this precarious future that challenges our generation with an analysis and reinterpretation of photography itself. Through pre-existing artworks and pieces created for the exhibition space, as well as artists books the exhibition that offer spectators an intimate and non-linear narrative, the ubiquity of images and the crisis of representation generate an explosion of possibilities. The documentary impulse questions itself, freely connecting with the staging and construction of fictitious dimensions.

© Colectiva | Collective



Centro Cultural de España en México

UPFRONT

UPFRONT

curador | curator Ramiro Villapadierna
horario mar - vie • 11 - 21 h
sáb • 10 - 21 h
dom • 10 - 16 h
inaguración 31 oct • 20 h
clausura 18 ene

“Un nuevo ‘desorden’ mundial se abre tras el 11 de septiembre. En él se ha formado la generación más internacional de fotorreporteros hispanos de la historia”, afirma Ramiro Villapadierna, curador de la exposición. Upfront reúne el trabajo de prestigiosos fotógrafos –hombres y mujeres– que cruzan fronteras cerradas, se adentran en medio de enfrentamientos armados, se dirigen a donde la gente huye y son también capaces de dejar su marca en las portadas de la prensa mundial y de cosechar reconocimientos del periodismo global, como el Pulitzer o el World Press Photo. Veintitrés profesionales comparten aquí una mirada inquisitiva y un mismo idioma, documentando las heridas del mundo y la actualidad desde Afganistán a Haití, pasando por Siria, el Congo, Libia y Centroamérica. Con medios insuficientes y riesgos e incertidumbres sobre su destino, pero no sobre su misión, algunos de ellos han vivido incluso el secuestro, el aislamiento y el hambre.

“A new world ‘disorder’ arose after September 11. In it the most international generation of Hispanic photojournalists consolidated”, affirms Ramiro Villapadierna, the exhibition curator. Upfront brings together the work of prestigious photographers —men and women— who have crossed closed borders, who have entered into armed conflict, and who have reached to where people flee. They have also been able to leave their mark on the front pages of the world press and harvest recognitions for global journalism, including the Pulitzer and the World Press Photo. Twenty-three professionals share here their inquisitive gaze and a common language, documenting the wounds of the world and current events from Afghanistan to Haiti, covering Syria, the Congo, Libya, and Central America. With insufficient means, risks, and uncertainties about their destiny, but not about their mission, some of them have endured captivity, isolation, and hunger as well.

© Colectiva | Collective



Centro Cultural Universitario Tlatelolco

1968: EL FUEGO DE LAS IDEAS

1968: THE FIRE OF IDEAS

curador | curator Ander Azpiri
horario mar - dom • 10 - 18 h
inaguración 25 oct
clausura 25 feb

Marcelo Brodsky recupera fotografías de movilizaciones sociales que tuvieron lugar en distintos países del mundo a fines de la década de 1960, sobre las que escribe anotaciones para invitarnos a aprender y a no olvidar. Más allá de evocar el pasado, Brodsky plantea preguntas sobre dónde nos encontramos ahora y qué justicia se puede ejercer. Su trabajo, no sólo artístico sino como activista, retoma eventos específicos para indagar sobre problemáticas amplias en los ámbitos político e histórico: manifestaciones en la Ciudad de México, Praga, Tucumán, París, Ámsterdam, Londres, Kingston o Rio de Janeiro, vinculadas por reacciones de protesta ante la inmoralidad y corrupción de los poderes de la época. Las anotaciones del fotógrafo trazan paralelismos, subrayan conexiones y dirigen nuestra mirada, desmontando así la idea de archivo como documentación del pasado. Sus palimpsestos sugieren un sentido de continuidad con respecto a las luchas sociales en las que hoy nos vemos involucrados.

Marcelo Brodsky recovers photographs of social mobilizations that took place in different countries across the world in the late 1960s, and upon them, he writes annotations that invite us to learn and to not forget. Beyond evoking the past, Brodsky poses questions about where we find ourselves now and what justice can be made. His work, not only as an artist but also as an activist, draws from specific events to probe into extensive problems in the political and historical spheres; demonstrations in Mexico City, Prague, Tucumán, Paris, Amsterdam, London, Kingston and Rio de Janeiro are connected by the reactions of protest to the immorality and corruption of those then in power. The annotations made by the photographer draw parallelisms, underline connections, direct our gaze, and therefore demonstrate the idea of an archive as a documentation of the past. His palimpsest suggests a sense of continuity with respect to the social struggles that today we find ourselves involved in.

© Marcelo Brodsky



Centro Cultural La Cúpula

INTROSPECTIVE

Roger Ballen

curador | curator Rodrigo Campuzano
horario lun a jue • 16 - 20 h
vie • 16 - 19 h
Mañanas y sábados, previa cita
inaguración 26 oct
clausura 9 dic

Introspective es la primera exposición retrospectiva en Latinoamérica del reconocido fotógrafo Roger Ballen (1950), uno de los más importantes del siglo XXI. Nacido en Nueva York y residente de Sudáfrica por más de 30 años. A lo largo de su trayectoria se ha centrado en el uso del formato cuadrado, en blanco y negro. En sus primeros trabajos –Dorps y Platteland– destaca su vínculo con la fotografía documental, la cual transformó y desarrolló en un estilo propio al que llamó “ficción documental”. Después del 2000, aquellas personas que conoció en la periferia de Sudáfrica participaron como sus actores para crear poderosos psicodramas que dieron lugar a las series Outland y Shadow Chambers. En las series Boarding House y Asylum of the Birds, la línea entre la realidad y la fantasía se diluye, pues se incorporan dibujo, pintura, collage y escultura para articular escenarios elaborados, generando así un nuevo híbrido estético. Esta retrospectiva comprende más de cuatro décadas del trabajo fotográfico de Ballen, reunidas en 118 fotografías, que corresponden a sus series más emblemáticas.

Introspective is the first retrospective in Latin America of the renowned photographer Roger Ballen (1950), one of the most significant image makers of the 21st century. He was born in New York and has resided in South Africa for over 30 years. Throughout his trajectory, he has focused his production on creating square format black and white images. In his early works —Dorps and Platteland— there is a notable connection to documentary photography, which he transformed and developed into a personal style that he has referred to as “documentary fiction”. Since 2000, Ballen’s acquaintances living in the periphery in South Africa have participated as actors in his images to create powerful psychodramas that have lead to the creation of Outland and Shadow Chambers. In the series Boarding House and Asylum of the Birds, the line between reality and fantasy dissolves, as the works incorporate drawing, painting, collage, and sculpture to articulate elaborate scenes that generate a new hybrid aesthetic. This retrospective is comprised of more than four decades of Ballen’s photographic works, featuring 118 photographs from his most emblematic series.

© Roger Ballen



Museo de Arte Carrillo Gil

EL PAJAR (VIDEOINSTALACIONES Y VIDEOESCULTURAS)

THE HAYSTACK (VIDEO INSTALLATIONS AND VIDEO SCULPTURES)

curador | curator Guillermo Santamarina
horario mar - dom • 10 - 18 h
inaguración 27 de octubre
clausura 14 ene

En su mayoría las piezas que integran El pajar incluyen pacas de paja compactada o la imagen del pájaro. Estos elementos tienen la función de marcar las caras de los cristales metafóricos de tiempo con los circuitos de intercambio que se forman entre lo actual de la imagen matérica tridimensional y lo virtual de las imágenes del video. Como diagnostica en muchos de sus textos Zygmunt Bauman, en nuestro mundo de la civilización líquida, la habilidad de ajustar nuestra identidad es cuestión de supervivencia psicológica. El videoarte, en un mundo cada vez más saturado por la tecnología, puede contribuir de manera sustancial al desarrollo de nuevas sensibilidades y sentimientos de identidad, contrastados con las cambiantes referencias de redes sociales y modelos de publicidad comercial. Las videoinstalaciones que confrontan lo actual con lo virtual subvierten el statu quo de las condiciones de nuestra civilización. Mapean nuevos territorios de existencia y de pensamiento, como estrategias de resistencia utópica a la repetición habitual del tiempo que es calculado, racionalizado y reificado. | Pawel Anaszkiewicz

For the most part, the pieces included in The Haystack contain images of bales of hay or of birds. These elements serve to outline the faces of the metaphorical time crystals with the intersections that form between the actual elements of a physical tridimensional image and the virtual elements of video images. As diagnosed in many of his texts, Zygmunt Bauman proposed that the ability to adjust our identity in our world of liquid civilization is a question of psychological survival. Video art, in a world ever more saturated by technology, can contribute vitally to the development of new sensibilities and feelings of identity, in contrast with the changing references in social media and the models of commercial publicity. The video installations that confront what is real and what is virtual subvert the status quo of the conditions of our civilization. They map out new territories of existence and thought, like utopian strategies of resistance to the habitual repetition of time that is calculated, rationalized and reified. | Pawel Anaszkiewicz

© Pawel Anaszkiewickz



Museo Tamayo Arte Contemporáneo

MARTÍN CHAMBI Y SUS CONTEMPORÁNEOS
RETRATOS DE UNA CULTURA ANDINA A PRINCIPIOS DEL SIGLO XX

MARTÍN CHAMBI AND HIS CONTEMPORARIES
PORTRAITS OF AN ANDEAN CULTURE IN THE EARLY 20TH CENTURY

Curaduría | Curator Colección Jan Mulder y Museo Tamayo
horario mar - dom • 10 - 18 h
inaguración 28 oct
clausura 18 feb

Como parte de la Colección Jan Mulder integrada por obras contemporáneas y copias vintage de autores, en su gran mayoría, latinoamericanos, destacan aquellas imágenes capturadas por el peruano Martín Chambi (1891-1973), fotógrafo de origen indígena, quien estableció una nueva y unificadora mirada sobre Perú. Las fotografías de Chambi documentan los vestigios de la civilización incaica, así como la vida cotidiana de las comunidades andinas a comienzos del siglo XX. Esta exposición reúne, además, obras de destacados fotógrafos coetáneos a Chambi, que visitaron y fotografiaron las mismas zonas y comunidades de la región: Luigi Doménico Gismondi, Irving Penn, Werner Bischof, Herbert Kirchhoff, Pierre Verger, Eugene Harris y Robert Frank.

Within the Jan Mulder Collection that holds contemporary artworks and vintage copies from artists that are for the most part Latin-Americans, a series of images that stands out are those that were taken by the Peruvian Martín Chambi (1891-1973), a photographer of indigenous origin who established a new and unified view of Peru. Chambi’s photographs document the remains of the Incan civilization, as well as the everyday life of the Andean communities in the early 20th century. This exhibition also brings together noteworthy works by artists coetaneous to Chambi that visited and photographed the same areas and communities in the region: Luigi Doménico Gismondi, Irving Penn, Werner Bischof, Herbert Kirchhoff, Pierre Verger, Eugene Harris, and Robert Frank.

© Martín Chambi



Galería Abierta Gandhi
de las Rejas de Chapultepec

CAPITAL ANIMAL. MÉXICO 2017

ANIMAL CAPITAL. MEXICO 2017

Curaduría | Curator Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo y Centro de las Artes de San Agustín
horario lun - dom, las 24 h
inaguración 29 oct
clausura 10 dic

El siglo XIX estuvo marcado por la abolición de la esclavitud, el XX por la liberación femenina y el XXI por la liberación animal. Millones de voces en todo el mundo se han manifestado en ese sentido. Si realmente queremos eliminar la violencia, debemos empezar por fomentar en los niños el amor y el respeto hacia los animales. Capital animal es parte de la jornada de actividades que pretende ser un primer acercamiento al debate tan necesario sobre el maltrato animal y su relación con la violencia imperante. Es al mismo tiempo una celebración de reconocimiento y gratitud a la infinita aportación que brindan estos seres a la vida en la tierra. Esta muestra presenta la relación afectiva entre personas y animales en ambientes rurales y urbanos: aquellos imitando gestos y posturas similares, niños de comunidades de Oaxaca posando con animales domésticos, hasta familias de fines del siglo XIX que incluían a sus mascotas en los retratos fotográficos. Estas imágenes forman parte de la Colección Toledo, que alberga más de 90 mil documentos fotográficos.

The 19th century was marked by the abolition of slavery, the 20th by the woman’s liberation, and the 21st by animal liberation. Millions of voices all over the world have advocated this cause. If we really want to eradicate violence, we should begin by fomenting with our children love and respect for animals. Animal Capital is part of a program of events that aims to extend an initial address to the much-needed debate about the mistreatment of animals and its relationship with the preeminent violence. At the same time, it celebrates the understanding and appreciation of the infinite contributions that animals bestow to life on earth. This exhibition reveals the emotional relationship between people and animals in rural and urban environs: there are those who imitate similar gestures and postures, children in communities of Oaxaca posing with domestic animals, even families in the late 19th century that included their pets in their family portraits. These images form part of the Toledo Collection, which holds more than 90 thousand photographic documents.

© Colectiva | Collective



Museo Archivo de la Fotografía

RAGHU RAI, OBRA RECIENTE

RAGHU RAI, RECENT WORKS

curador | curator Raghu Rai
horario mar - dom • 10 - 17 h
inaguración 31 oct
clausura 4 feb

Raghu Rai es considerado uno de los mejores fotógrafos de la actualidad. Nació en 1942 en Jhang, Punjab, en la entonces India Británica, hoy Pakistán. Después de la independencia, como su familia era hindú, trasladaron su residencia a Nueva Delhi. Comenzó su carrera en el periodismo fotográfico trabajando en diarios locales y actualmente ejerce como fotógrafo independiente, colaborando con la agencia Magnum Photos. Ha publicado sus imágenes en diversos medios internacionales y ha obtenido los premios Photograph of the Year (1992) y Padmashree Award (1971). Entre sus numerosas publicaciones se encuentra India México: vientos paralelos, realizado con Sebastião Salgado y Graciela Iturbide. Esta exposición se compone de 50 fotografías en las que Raghu Rai nos comparte su trabajo más reciente y nos muestra a través de la simpleza de la vida cotidiana cómo se teje una compleja trama que se manifiesta en diversos planos y realidades simultáneas, lo sagrado y lo profano que enriquece la vida humana, abriendo múltiples reflexiones sobre la identidad, el sujeto, la comunidad y la religiosidad.

Raghu Rai is considered one of the best photographers of our time. He was born in 1942 in Jhang, Punjab, in what was British India, today Pakistan. Following the independence, his family being Hindu changed their residence to New Delhi. There he began his career in photographic journalism, working for local daily papers. Currently, he works as an independent photographer, collaborating with the agency Magnum Photos. His work has been published in diverse international publications and has been awarded the Photograph of the Year (1992) and Padmashree Award (1971). His numerous publications include India Mexico: Parallel Windows, made with Sebastião Salgado and Graciela Iturbide. This exhibition is comprised of 50 photographs with which Raghu Rai shares his most recent work and shows us how in the simplicity of everyday life a complex plot is woven. It is present in diverse planes and simultaneous realities, the sacred and profane that enrich human life, offering various reflections regarding identity, subject, community, and religiousness.

© Raghu Rai



Instituto Cultural México-Israel

CAMINANDO TIERRA SANTA

WALKING THROUGH THE SACRED LAND

horario lun - vie • 10 - 17 h
inaguración 5 nov
clausura 20 dic

En 2016 realizamos un extenso recorrido por el territorio de Israel como parte de un programa a favor de la paz. Gracias a esta caminata, tuvimos la oportunidad de visitar y conocer familias judías, católicas, cristianas, ortodoxas, musulmanas, beduinas, drusas, bahaí, familias seculares, así como extranjeros residentes. Uno de los objetivos fue convivir y aprender sobre este territorio a través de las personas que tienen su hogar en estas tierras, sagradas desde el inicio de la creación, ruta de peregrinaje para miles de millones de seres humanos, lugar de profetas y revelaciones, lugar de personas justas y sabias, capital para las religiones monoteístas, centro energético que sostiene al mundo. Si bien actualmente este territorio corresponde a un país con ciertas problemáticas debido a la división de fronteras, ideologías políticas y diferencias religiosas, también es cierto que es un lugar donde la espiritualidad, lo sagrado, lo divino, la eternidad, la familia, los actos de bondad, el gesto de caridad y la paz, son considerados como temas prioritarios en todos los asuntos de la vida cotidiana. Esta exposición se acompaña de la publicación de un libro, que reúne una selección exclusiva con lo más representativo de este fotodocumental de autor.

In 2016 we took an extensive journey through Israeli territory as a part of a program for peace. Thanks to this walking tour, we had the opportunity to visit and meet with families of Jewish, Catholic, Christian, Orthodox, Muslim, Bedouin, Druze, and Bahai belief, as well as secular families and foreign residents. One of the objectives was to come together and learn about this territory through the people that have their homes in these lands, sacred since the beginning of creation, the pilgrimage route for millions of human beings, land of profits and revelations, land of just and wise people, the capital of monotheistic religions, the energetic centre that sustains the world. If at present this territory corresponds to a country with certain conflicts caused by the division of borders, political ideologies, and religious differences, it is true that it is also a place where spirituality, the sacred an the divine, eternity, family, acts of generosity, gestures of good-will, and peace are considered to be priority in all aspects of everyday life. This exhibition accompanies the edition of a book composed of an exclusive selection of the photographer’s most representative personal vision documentary images on this subject.

© Francisco Salomón Luna Aburto



Centro de las Artes de San Agustín

RETROSPECTIVA, GRACIELA ITURBIDE

RETROSPECTIVE, GRACIELA ITURBIDE

horario lun - dom • 9 - 18 h
inaguración 5 nov
clausura 21 ene

La pericia de Graciela Iturbide supone, claro está, una evidente perfección técnica: el equilibrio delicadísimo entre las luces y sus infinitas texturas, el balance exacto del ojo obturador y el don del instante privilegiado son tan superiores que se antojan impalpables. Es grandiosa la riqueza de colores que vibran en su riguroso blanco–y–negro; micromé- tricos los fulgores e iluminaciones de sus contrastes. El sentido de la composición, el equilibrio que le depararon merecer, como es sabido, el Premio Hasselblad, ese Nobel del paradójico cuarto oscuro que alumbra al mundo. Las formas en que Iturbide ha logrado liberar la autónoma voracidad de su mirada son múltiples y variadas: he seguido sus recorridos por las etnias ancianas de México lo mismo que por sus urbes fosfóricas; sus inacabables viajes por el mundo entero, clasi- ficando en imágenes preclaras los hechos y los rostros, las parvadas murmurantes y las piedras y, a veces, atrapado en redes o alambre de púas, hasta el aire mismo, lo más desnudo que puede fotografiarse. | Guillermo Sheridan *Exhibición realizada en el marco de la FIL Oaxaca 2017

The mastery of Graciela Iturbide produces, without doubt, an pronounced technical perfection: the very delicate equilibrium between light and its infinite textures, the precise balance between the shutter and the gift of the privileged moment are so superior they see impalpable. It is magnificent the richness of colors that vibrate in their rigorous black and white, and micro metrical the glow and illumination of their contrast. The sense of composition, the equilibrium that has made them worthy of, as it is well known, the Hasselblad Award, this Nobel of the paradoxical darkroom that shines light across the world. The ways in which Iturbide has been able to liberate the unique veracity of her eye are many and varied: she has continued her tours to the ancient ethnic groups of Mexico as well as to her phosphoric megalopolises; her endless journeys across the world, classifying with illustrious images the events and faces, the murmuring flocks and the stones and, sometimes, trapped in nets or barbed wire, or even the air itself, the barest element that can be photographed. | Guillermo Sheridan *This exhibition will be shown in the International Book Fair Oaxaca 2017.

© Graciela Iturbide



Casa del Mayorazgo del Canal, Casa de Cultura Citibanamex

MARUCH SÁNTIZ GÓMEZ: “CREENCIAS MARUCH SÁNTIZ GÓMEZ”

MARUCH SÁNTIZ GÓMEZ: “BELIEFS MARUCH SÁNTIZ GÓMEZ”

curadora | curator Patricia Ortiz Monasterio
horario lun - vie • 9 - 18 h
sáb - dom • 10 - 18 h (Cambios sin previo aviso)
inaguración 9 nov
clausura 18 feb

Mejor conocida por su labor como fotógrafa y escritora, Maruch Sántiz ha explorado también el teatro y el diseño de bordados y textiles. Todo su trabajo ha respondido a una misma necesidad: “rescatar y mantener nuestra cultura antepasada y nuestra lengua materna porque estas palabras nunca se han escrito y nadie las ha fotografiado”. Su propósito es “lograr que estos conocimientos no se extingan”. Oír la voz de las cosas es entrar en otro mundo organizado con otra lógica. El mundo mítico de las creencias de Sántiz sostiene su orden cíclico de la existencia, su armónica organización de seres y cosas mediante constelaciones de relaciones, que son sutiles —no lineales— atemporales. Percibirlas y dejarlas ser es la tarea de quien pretenda vivir en concordancia con el mundo. Porque en el fondo somos lo mismo que los motivos retratados por Sántiz, frágiles formas que yacen sobre la tierra desnuda.

Better known for her work as a photographer and writer, Maruch Sántiz has also explored theater as well as embroidery and textile design. All of her work responds to the same need: “To recover and maintain our ancestral culture and our maternal language because these words have never been written and nobody has photographed them”. She aims, “to ensure that this knowledge does not extinguish”. To hear the voice of things is to enter in another world organized by another logic. The mythic world of Sántiz’s beliefs upholds its cyclical order of existence, its harmonic organization of beings and objects through constellations of relationships, which are subtle— onlineal—timeless. To perceive them and let them be is an undertaking of somebody who aims to live in concordance with the world. Because deep down we are the same as the motifs portrayed by Sántiz, fragile forms that lay across the bare earth.

© Maruch Sántiz



Academia de Artes Visuales

PULSIÓN ESCÓPICA. VIDEOINSTALACIÓN EN SITIO ESPECÍFICO COMO INTERVENCIÓN EFÍMERA DEL ESPACIO

VISUAL DRIVE. VIDEOINSTALLATION IN SITU AN EPHEMERAL INTERVENTION OF SPACE

inaguración 11 nov • 16 - 22 h

Al fotografiar a propios y ajenos, en público o en privado, se perfila el esclarecimiento del mundo por medio de su imagen. El ése eres tú se complejiza con un así eres tú, por eso eres tú. Convirtiéndose en un tipo de mediación entre el aparato psíquico y el cuerpo, ya que genera y permite un trabajo de tramitación y procesamiento del psiquismo con respecto al mundo y con respecto al propio cuerpo. El cuerpo entendido como territorio y, por tanto, transgresor de fronteras propias y ajenas, ocupando diferentes latitudes. De ahí que el título de esta videoinstalación, Pulsión escópica, tenga su nacimiento dentro de los estudios psicoanalistas para los que mirar y ser mirado es parte del mismo deseo, una pulsión. Ya que mirar certifica una dimensión humana, mirar en el tiempo, en el espacio, certificará también la dimensión del cuerpo. Por ello, en esta muestra, la exploración de la mirada será mediante el video: el movimiento en ese transitar como un elemento fundamental de la percepción.

By photographing relations and strangers, in public and in private, an interpretation of the world through representation takes shape. The concept this is you becomes more complex with the idea that this is how you are, that is why you are you. It turns into a kind of mediation between the psychological mechanism and the body, by generating and enabling a processing of the psyche with respect to the world and to the body itself. The body is understood as a territory, and therefore, a transgressor of personal and external borders, occupying different latitudes. Accordingly, the title of this video installation, Visual Drive, borrows from the psychoanalytical studies of individuals for whom seeing and being seen is part of the same desire, or drive. Seeing assures a human dimension, while seeing in time, in space also assures a dimension of the body. Therefore, in this show, the exploration of a vantage point has been made with video: the movement along these lines is a fundamental element of perception.

© Colectiva | Collective



Museo Indígena Antigua Aduana de Peralvillo, CDI

MAZAHUACHOLOSKATOPUNK. IDENTIDADES EN TRÁNSITO

MAZAHUACHOLOSKATOPUNK. IDENTITIES IN TRANSIT

curadores | curatores Silvia Gómez y Lorenzo Armendáriz
horario lun - dom • 10 - 18 h
inaguración 29 nov
clausura 2 mar

Mazahuacholoskatopunk analiza una de las formas de discriminación hacia los indígenas en México y la solución que le dan a ésta algunos grupos de jóvenes. A partir de la fotografía documental de autor, el proyecto explora una subcultura urbana que rechaza el atuendo tradicional como reacción ante la vergüenza que a causa del racismo sienten por su origen. Los Mazahuacholoskatopunks no son un grupo específico. Tienen en común que son migrantes, trabajan en empleos similares, prefieren ciertos espacios para socializar, adoptan el atuendo de cholos, skatos, punks, darks, emos, rockers o una mezcla de todo, y sus territorios son de tránsito. Sin embargo, como sucede en toda representación, lo esencial no cambia: no cambian sus creencias, costumbres, rituales ni el apego a las fiestas tradicionales. Esta exposición es una muestra de la diversidad de identidades que se expresan, se reinventan, se cruzan, se agrupan y se transforman en la Ciudad de México. Hoy la diversidad nos iguala, aceptémonos como diferentes. | Federico Gama, Ciudad de México, noviembre de 2017

Mazahuacholoskatopunk explores how the indigenous people of Mexico are discriminated and the response among some youth groups. By means of a personal documentary style, this project observes the urban subculture that spurns traditional clothing in reaction to the shame they feel in their origins due to racism. The Mazahuacholoskatopunks is not a specific group. They share in common the fact that they are migrants, that they work in similar jobs, prefer certain spaces to socialize, adopt the look of the colors, skaters, punks, darks, emos, rockers or a mix of them all, and that their territories are of transit. However, as with all representation, what is essential to them does not change: their beliefs, customs, rituals, and even their adherence to the to traditional celebrations remains unchanged. This exhibition is about the diversity of identities that they express, that they reinvent, cross over, group together, and transform in Mexico City. Today, diversity makes us equal, let’s accept each other as different. | Federico Gama, Mexico City, November 2017

© Federico Gama



Museo Amparo

PAZ ERRÁZURIZ

curador | curator Juan Vicente Aliaga
horario mié - lun • 10 - 18 h
sáb • 10 - 21 h
inaguración 18 nov
clausura 26 feb

Fundación MAPFRE presenta la primera gran retrospectiva de Paz Errázuriz (1944), una de las fotógrafas chilenas de mayor reconocimiento internacional. De formación autodidacta, Errázuriz inicia su obra en la década de 1970. A menudo sus proyectos fotográficos suponen una transgresión de las reglas del régimen político de aquella época, por atreverse a trabajar en ambientes donde las mujeres no eran bien recibidas. Sus imágenes nos muestran espacios y entornos en los que predomina la marginación y el encierro, y sus personajes adoptan comportamientos que se sitúan fuera de lo convencional y del orden establecido. La mirada valiente de esta artista, cofundadora de la Asociación de Fotógrafos Independientes (AFI), destaca por mostrarnos los aspectos más ocultos de la cotidianeidad chilena, todo ello con un método de trabajo que se basa en la convivencia con los individuos retratados desde la confianza y el respeto mutuo. Esta exposición reúne más de 170 obras, entre fotografías, videos y documentos, que permiten recorrer de forma retrospectiva las distintas secciones que la componen.

The Fundación MAPFRE presents the first comprehensive retrospective of Paz Errázuriz (1944), one of the most internationally recognized Chilean photographers. Errázuriz, a self-taught artist, began her work in the 1970s. Her photographic projects often transgressed the rules of the political regime at the time by venturing to work in environments where women were not well received. Her images show us places and areas with prevalent marginalization and isolation, and the individuals portrayed in her photographs comport in ways that are beyond the conventional and established order. The bold eye of this artist, a co-founder of the Association of Independent Photographers (AFI), stands out in that she reveals to us the most undercover aspects of everyday Chilean life, which she has achieved through her practice founded on the spending time with the people that appear in her photographs to generate confidence and mutual respect. This exhibition brings together over 170 works, including photographs, videos, and documents, that allow visitors to retrospectively review the distinct components of the show.

© Paz Errázuriz



Museo Nacional de las Culturas del Mundo

BOB SCHALKWIJK, UN HOLANDÉS EN MÉXICO

BOB SCHALKWIJK, A DUTCHMAN IN MEXICO

curador | curator Bob Schalkwijk
horario mar - dom • 10 - 17 h
inaguración 23 nov
clausura 25 feb

Esta muestra reúne las fotografías de los primeros quince años de Bob Schalkwijk en México (1959-1974), periodo en el que depositó toda su energía para conocer la diversidad cultural mexicana, tan distinta a la de su país natal. La exhibición reune una relación de imágenes de sus primeros viajes y series que dan cuenta de la mirada de un joven holandés que con fascinación descubrió las diversas culturas de esta nación. Muestra cómo desde una perspectiva distinta se puede capturar la riqueza de las culturas ancestrales de México. La mayoría de las imágenes se mostrarán por primera vez como una manera de devolverle a este país lo mucho que le ha brindado su gente.

This exhibition presents photographs from Bob Schalkwijk’s first fifteen years in Mexico (1959-1974), a period of time in which he dedicated his energy to learning about the Mexican cultural diversity, which was so different from his native country. The exhibition brings together a selection of photos of his early journeys and series that reveal the eye of the young Dutchman who discovered with fascination the many cultures of this nation. It shows how it is possible to capture the richness of the ancestral culture of Mexico from a distinct perspective. The majority of the images are on exhibit for the first time, a way of returning to this country all that its people offered to him.

© Bob Schalkwijk



Museo Nacional de Antropología

CON LOS PIES EN LA TIERRA. PIERRE VERGER EN MÉXICO

DOWN—TO—EARTH. PIERRE VERGER IN MEXICO

curador | curators Antonio Saborit

Esta exposición reúne una selección de 188 imágenes sobre el trabajo del fotógrafo francés Pierre Verger (Francia, 1902 - Brasil, 1996), quien Rolleiflex en mano procedió a su manera ante el paisaje urbano, el retrato, el patrimonio arqueológico y, sobre todo, fijó su atención en las ceremonias de la vida rural. Su interés en la vida comunitaria y más que nada en las diversas festividades de la religiosidad indígena, fue superior al llamado de cualquier otro elemento propio del México posrevolucionario, incluso que el de las celebradas antigüedades y vestigios arqueológicos con que desde el final del siglo XIX se enseñoreaba la modernidad del país. Cada uno de los tres temas en los que está dividida esta muestra da cuenta de la forma en la que Verger advirtió las particularidades festivas de las comunidades indígenas, así como de los cambios que sacudieron a la Ciudad de México, con algunos de sus protagonistas durante los años de 1937 a 1957.

This exhibition brings together a selection of 188 images concerning the work of the photographer Pierre Verger (France, 1902 - Brazil, 1996) who, with a Rolleiflex created his own way to take images of urban landscapes, portraits, archaeological patrimony, and he focused his attention above all on the ceremonies of rural life. His interest in community life and especially in the diverse religious festivities of the indigenous people was greater than any other aspect of post-revolutionary Mexico, even the eminent ancient artifacts and archaeological ruins that were so revered by the modernity of the country since the late 19th. Each of the three themes outlined in this exhibition reveals the way in which Verger observed the festive particularities of the indigenous communities, as well as the changes that shocked Mexico City and some of its protagonists during the years from 1937 to 1957.

© Pierre Verger